El Ministerio de Cultura de Perú defendió la transparencia del contrato que suscribió a fines del año pasado para que una empresa privada se encargue de la venta virtual de entradas a Machu Picchu y otros monumentos del país, luego de que la Contraloría General advirtiese que ese acuerdo fue irregular, por incumplir la ley de presupuesto público.

"El contrato firmado con la empresa proveedora, Joinnus, ha sido un proceso transparente y sin ningún acto de corrupción", señaló Cultura en un comunicado de respuesta a un informe de la Contraloría.

Aseguró que ese informé contiene "observaciones de carácter administrativo" y que las "recomendaciones" que en él se hacen "se han aceptado de manera inmediata".

Además de indicar que se tomó la decisión de no pagar las comisiones que iba a cobrar la empresa, sostuvo que tres personas señaladas en el informe ya no trabajan en la institución, pero se mantienen "los procesos administrativos correspondientes".

Acciones que afectaron la legalidad

La Contraloría mencionó que la contratación del Ministerio de Cultura se realizó "sin ejecutar un procedimiento de selección establecido en la Ley de Contrataciones del Estado, así como la suscripción de la adenda para incluir dos espacios culturales sin el debido sustento".

Por ese motivo, consideró que esas decisiones "afectaron la legalidad con la que deben regirse las actuaciones en la administración pública, limitando la participación de postores".

"(Se) recomienda disponer el inicio del procedimiento administrativo a los funcionarios y servidores públicos involucrados en los hechos con evidencias de irregularidad, debiendo informar al Órgano de Control Institucional, las acciones adoptadas al respecto", agregó.

Solicitó, además, a la ministra de Cultura, Leslie Urteaga, que se realicen "las acciones tendentes a fin de que el órgano competente efectúe el deslinde de las responsabilidades que correspondan, de los servidores públicos del Ministerio de Cultura, comprendidos en los hechos observados del presente Informe de Control Específico".

En enero de 2024, pobladores y operadores turísticos del distrito de Machu Picchu protestaron y realizaron una huelga por la adjudicación por parte del ministerio a la empresa Joinnus como ente gestor de la venta de entradas al monumento.

Tras una serie de negociaciones, el Ministerio de Cultura anunció días más tarde la cancelación de ese contrato e informó que se iba a implementar una plataforma estatal encargada de las ventas para ese servicio turístico, para no permitir el mercado negro de entradas que existía anteriormente.

Al respecto, el ministerio ratificó en su comunicado que "está en pleno desarrollo un portal promovido por el Estado" y que "se ha dejado atrás para siempre una plataforma con múltiples cuestionamientos y vulnerabilidades que manejaba la Dirección Desconcentrada de Cultura (DDC) de Cuzco".

ee (efe, Ministerio de Cultura)

El músico sueco Per Gessle anunció el retorno a la actividad de su banda Roxette con una nueva cantante, su compatriota Lena Philipsson, cuando se cumplen cinco años de la muerte por cáncer de su emblemática vocalista original, Marie Fredriksson.

En concreto, tal y como señala el perfil oficial del recompuesto dúo en Instagram, en 2025 habrá una gira de la que se han anticipado dos conciertos en Sudáfrica: uno el 25 de febrero en Ciudad del Cabo y otro el 28 en Pretoria.

"Se trata de mis canciones de Roxette que he estado escribiendo durante más de tres décadas. No voy a empezar un nuevo dúo. Marie siempre será insustituible. Sin embargo, tengo mucha suerte de haber encontrado una voz increíble y una intérprete brillante en Lena", dice Gessle ante la sustitución de su excompañera.

Philipsson es una artista muy conocida en Suecia y también para los espectadores asiduos de Eurovisión, ya que representó a su país en la edición de 2004 con el tema 'It Hurts', con el que quedó en quinta posición.

"Estoy entusiasmada por embarcarme en esta gira. Tengo muchas ganas de trabajar con Per: es un compositor fenomenal y una fuerza musical inagotable", ha señalado en declaraciones recogidas en el anuncio oficial esta cantante, cuyo primer éxito fue coescrito en 1986 por Gessle.

Roxette se convirtió en uno de los grupos suecos de mayor éxito internacional, especialmente tras el lanzamiento de su segundo disco de estudio, 'Look Sharp!' (1988), que incluía los éxitos 'Dressed For Success', 'Listen To Your Heart' y 'The Look'.

Seguiría 'Joyride' (1991), que figura entre los 100 discos más vendidos del mundo gracias a temas como 'Spending My Time', o 'Crash! Boom! Bang!' (1994), con el que vio la luz 'Sleeping In My Car'.

ee (efe, Roxette)

Cientos de miles de admiradores de Madonna tomaron Río de Janeiro para el concierto gratuito que la cantante estadounidense ofrecerá el sábado (04.05.2024) en la playa de Copacabana y que, con un público calculado en 1,5 millones de personas, será el mayor en sus 40 años de carrera.

El concierto, histórico tanto para Madonna como para esta ciudad brasileña, genera enormes expectativas tanto para los admiradores de la cantante como para la economía de Río de Janeiro.

Desde el lunes, cuando Madonna desembarcó en Río, miles de fanáticos se aglomeran en las puertas del hotel Copacabana Palace, donde se hospeda la cantante, y que se ubica frente al gigantesco escenario de 812 metros cuadrados montado para el espectáculo.

La estructura cuenta con una pasarela elevada que conecta el escenario con el hotel y que permitirá a Madonna entrar y salir sin pisar la calle.

El concierto, con el que la reina del pop pondrá fin a la gira de conmemoración de sus 40 años de carrera, 'Celebration Tour', será el único de la cantante de 65 años en Suramérica, por lo que ha atraído a numerosos turistas de países vecinos, ansiosos por escucharla interpretar clásicos como 'Like a Virgin' y 'Vogue'.

El alcalde de Río, Eduardo da Costa Paes, afirmó en sus redes sociales que Madonna podrá superar el histórico concierto que ofrecieron los Rolling Stones en febrero de 2006 y que atrajo a 1,5 millones de personas a la playa de Copacabana.

ee (efe, afp)

Un tribunal europeo dictaminó que Italia tiene todo el derecho a reclamar al Museo Getty de California una estatua griega de 2.000 años de antigüedad, un bronce de la Grecia clásica recuperado en 1964 en aguas del Adriático conocido como "Juventud Victoriosa”.

La estatua de tamaño natural, también conocida como el Atleta de Fano o simplemente el Bronce Getty, ha sido el centro de una disputa de años después de que Italia alegara que había sido comprada ilegalmente por el J Paul Getty Trust.

Duelo judicial

Los jueces de Estrasburgo determinaron que las diferentes sentencias dictadas por los tribunales italianos, incluida la definitiva del Supremo de enero de 2019, en favor de la confiscación de la obra "son proporcionadas", por lo que rechazó el recurso de los Getty.

Uno por uno, la sentencia rechaza los argumentos de la fundación contra la decisión de Italia, que considera que este país tiene derecho a reclamar el bronce, tanto por el lugar en el que fue encontrado como por la nacionalidad del barco que lo hizo.

Considera que los Getty no investigaron de forma suficiente el origen de la pieza cuando en 1977 lo adquirieron en Londres por 3,95 millones de dólares, por lo que no respetaron las convenciones internacionales sobre la compra de arte en los mercados internacionales.

La estatua, un bronce atribuido a Lisipo, de tamaño natural que muestra una figura humana y que ha sido datada entre el 300 y el 100 a. C., fue una de las piezas sobre las que Roma puso su atención cuando en 2010 inició una campaña de recuperación de obras de su patrimonio.

Expuesta en la Villa Getty de Malibú desde 1978, fue el fruto de un importante duelo judicial entre Italia y la familia estadounidense, que se niega a devolverla con el argumento de que no forma parte del patrimonio italiano y que la compró de forma legal.

Elementos que no encontraron base jurídica en las diferentes instancias italianas y que, ahora, han visto como tampoco lo reciben del Tribunal de Estrasburgo.

Tras su rescate marino, fue vendida un año más tarde a un comprador desconocido, lo que motivó la apertura de dos investigaciones en Italia, por su exportación ilegal y por su subasta en Múnich.

El mismo año de su compra por los Getty, ingresó en territorio estadounidense por el puerto de Boston el 15 de agosto de 1977 y en marzo de 1978 llegó a Malibú.

ee (efe, The Guardian)

Gioconda Belli salió hace casi tres años de Nicaraguacon dos maletas y sin pensar que ya no regresaría a su país, donde el gobierno de Daniel Ortega y Rosario Murillo la conminó al destierro y confiscó su casa. Le quitaron su nacionalidad y la borraron del registro civil. Como a otros cientos de opositores, la acusaron de "traición a la patria”.

Hoy, la célebre autora de La mujer habitada vive su exilio en España con nostalgia por los volcanes, la lluvia y la sonrisa de la gente de su tierra. Pero también sabe convertir "los reveses en oportunidades”: en diciembre próximo presentará en México una nueva novela, mientras trabaja en otra, de corte más histórico pero siempre sobre temas infaltables en su obra: mujeres, libertad… y Nicaragua.

"Hace mucho tiempo ya que el centro de mi vida es la literatura, escribir. En ese sentido mi vida no ha cambiado mucho, sigo escribiendo y creo que eso es lo más importante que puedo hacer en este momento”, dice Belli en una entrevista con DW, habiendo apenas terminado un disciplinado "retiro” de un mes en una estancia para escritores en Bellagio, Italia, donde estuvo trabajando en su próximo libro.

Palabras que asustan a los tiranos

"Me he dado cuenta del impacto que tienen las palabras: asustan mucho a los tiranos y les encantan a la gente que le gusta leer, pensar y debatir”, agrega. En estos días regresa a su casa en Madrid y pronto volverá a hacer maletas para viajar a Centroamérica, donde recibirá el Doctorado Honoris Causa de la Universidad de Costa Rica (UCR), la más importante del país centroamericano.

Hace apenas seis meses recibió en Madrid el Premio Iberoamericano de Poesía Reina Sofía, que valoró su fructífero camino literario de casi medio siglo. Ahora la UCR premiará a la escritora y activista por "su trayectoria y en agradecimiento a su aporte en la construcción de una conciencia crítica, la difusión de las artes, la defensa de la libertad de expresión y de los derechos humanos”.

También reconoce "sus aportes a la promoción cultural y la educación, la lucha por la democracia, la trascendencia de su carrera en la literatura y los espacios para la disidencia existentes en sus textos, que permiten estudiar la realidad actual latinoamericana a partir de otras perspectivas”.

Gioconda Belli recibe estos premios con gratitud y alegría, mismas que hoy la empujan a recorrer sin descanso las ciudades de Europa, donde su obra goza de mayor proyección cada día.

"El régimen sí me dejó varada, pero uno debe aprender en la vida que todos los reveses se pueden convertir en oportunidades. En España he tenido un recibimiento, una solidaridad y un cariño extraordinarios, y me ha permitido consolidar mis relaciones con grandes escritores españoles y con la industria editorial”, señala. Agrega que también ha sido bueno "separarme de la cotidianeidad tan dolorosa de Nicaragua, aunque Nicaragua sigue estando en mi corazón y nunca se va a ir de ahí”.

"Sigo muy pendiente de todo lo que pasa y esperando el día que vendrá, en que nos liberemos”, asegura.

Su biblioteca, reencuentro vital

Belli cuenta que uno de los momentos "más conmovedores e importantes de este exilio absurdo” fue el reencuentro con su amada biblioteca, que con mucho esfuerzo y desde la distancia logró sacar de Nicaragua y poner en un barco que cruzó el Atlántico, para recibirla hace pocos días en su hogar madrileño.

"Ha sido como reencontrarme con mis viejos amigos y poder tener parte de mi casa conmigo. Esto me ha dado una enorme alegría y un sentido de continuidad de mi vida”, señala.

Sobre la situación de Nicaragua y la resistencia social frente a una dictadura que ha prohibido toda posibilidad de protesta o manifestación, la autora de El país de las mujeres, Waslala y Luciérnagas asegura que el aparente silencio en su país esconde una peligrosa realidad.

"El régimen de Daniel Ortega y Rosario Murillo se sostiene únicamente por la represión y porque han dominado con medidas muy restrictivas toda la actividad del pueblo nicaragüense. La gente está arrullando en su corazón sus memorias de libertad, lo que pasó hace seis años (la rebelión social de 2018) y aunque no lo puede expresar no quiere decir que no lo sienta. Entonces esto es como una bomba de tiempo, porque cuando la gente está tan descontenta y no puede expresarlo, eso va erosionando la sociedad”, advierte Belli.

Un silencio lleno de murmullos

"Por mucho que ellos quieran aparentar que no pasa nada, eso es un espejismo y ellos lo saben. Esa aparente normalidad no significa que no estemos, que no sigamos denunciando o que esa resistencia se vaya a terminar”, insiste.

Mientras tanto, la indomable poeta de 75 años se enfoca en su nuevo proyecto creativo, que dará paso a un libro aún en proceso. "No quiero decir todavía de qué se trata, solo diré que es una novela histórica situada en Nicaragua durante los primeros años de la independencia de Centroamérica”, anticipa.

Pero, además. Belli tiene lista otra novela que se publicará en septiembre bajo el título de Un silencio lleno de murmullos, y que ella misma presentará en la Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara, México, en los primeros días de diciembre.

Se trata de seguir adelante en la vida. De "renovar la piel”, como lo dice en uno de sus últimos poemas en prosa, en el que la nostalgia por su tierra está presente. "Lo que más extraño de Nicaragua es la afabilidad, la amabilidad, las sonrisas y la confianza de la gente, el habla nicaragüense, esa manera de ser tan amorosa y tan cercana”, dice.

"También extraño el paisaje de mi casa, con el que sueño muy a menudo. El verdor, el olor de la lluvia, la lluvia que me hace tanta falta, el perfil de los volcanes, los pájaros, la mañana... ¡Ay, dios mío, todo! Es muy larga la lista…”.

(ers)

Se trata de la guitarra acústica de John Lennon, Framus Hootenanny de doce cuerdas utilizada en la grabación tanto del disco como de la película 'Help!' en 1965 y de muchos otros éxitos del cuarteto de Liverpool (noroeste inglés) durante la década de 1960.

La guitarra, hallada recientemente en el desván de una casa en Inglaterra, se subastará el 29 y 30 de mayo en el Hard Rock Cafe de Nueva York, anunció en Londres la empresa estadounidense Julien's Auctions.

Julien's Auctions, especializada en pujas de objetos de estrellas del espectáculo, dijo que la que considera la guitarra más importante de los Beatles en salir al mercado podría alcanzar entre 600.000 y 800.000 dólares (de unos 560.400 a 750.000 euros), en una venta en persona y por internet.

Un hallazgo extraordinario

La casa de subastas explicó que la guitarra, que se creía perdida, fue hallada en el desván de una casa en la campiña inglesa por sus ocupantes en plena mudanza, quienes la han puesto a la venta.

Se cree que a mediados y finales de los años 60, la famosa Framus estuvo en posesión de Gordon Waller del dúo británico Peter & Gordon, quien más tarde la regaló a algún miembro de su equipo.

Los directores y fundadores de la casa de subastas estadounidense, Darren Julien y Martin Nolan, viajaron al Reino Unido para certificar que se trataba de la histórica guitarra de 'Help!'.

Darren Julien afirmó en un comunicado que "encontrar este extraordinario instrumento es como hallar un Rembrandt o un Picasso perdidos, y todavía luce y suena de maravilla pese a haber estado guardada en un desván durante más de 50 años".

ee (efe, reuters)

Sin proponérselo como profesión, desde 1994 Claudia Cabrera empezó a volcar al español de México, su país natal, pequeños textos en alemán mientras trabajaba en el Goethe-Institut de México. Después siguió el catálogo de una exposición, de alguna retrospectiva fílmica y luego una obra de teatro.

Así surgió su labor de vida, reconocida este 24 de abril con la Medalla Goethe, que la República Federal de Alemania ha concedido a partir de 1955 a 380 personalidades extranjeras por sus contribuciones al arte, la ciencia y la cultura.

"Claudia Cabrera es una de las mejores traductoras literarias y de teatro del idioma alemán en México. Desde 1994 ha traducido al español mexicano más de 60 novelas, obras de teatro y libros de no ficción, entre ellas obras de Rainer Werner Fassbinder, Julia Franck, Cornelia Funke, Franz Kafka, Heiner Müller, Robert Musil, Silke Scheuermann y Anna Seghers”, indicó el jurado.

A lo largo de 30 años, por sus manos han pasado un sinfín de obras de autores y especialistas de lengua germana, como "El Hacha de Wandsbek”, de Arnold Zweig, cuya traducción le valió en 2020 el Premio Bellas Artes de Traducción Literaria Margarita Michelena, del gobierno mexicano.

"Con este impresionante desempeño, Claudia Cabrera contribuye significativamente a la notoriedad y popularidad de la literatura alemana, así como de sus autores y autoras, en México y América Latina”, se afirmó en el fallo, emitido en Múnich.

La ceremonia de entrega será encabezada por Carola Lentz, presidenta del Goethe-Instituta nivel mundial. Tendrá lugar en Weimar el 28 de agosto, justo al cumplirse 275 años del natalicio de Johann Wolfgang von Goethe, autor emblemático de las letras germanas.

Las tres galardonadas de 2024 son la historiadora y gestora cultural macedonia Iskra Geshoska; la chilena Carmen Romero Quero, directora del Festival Internacional Teatro a Mil, y Cabrera Luna, también fundadora y presidenta de la Asociación Mexicana de Traductores Literarios (Ametli), quien habla con DW del premio y los retos de su profesión.

DW: Como la primera mujer mexicana en obtenerla ¿qué representa esta condecoración para usted?

Claudia Cabrera: Todavía no alcanzo a salir de mi estupor de que me hayan concedido la Medalla Goethe. El primer mexicano en recibirla en 1995 fue José María Pérez Gay, el germanista más importante de México. Y que yo, una traductora literaria autodidacta, sea objeto de ese honor me parece increíble. Es la confirmación de una vida dedicada al servicio de mis dos lenguas, español y alemán.

¿Considera entonces que es también un premio a su gremio?

Me parece significativo y no casual que la presea que se otorga no sólo por la difusión de la lengua y la cultura alemanas, sino también por el fomento a la cooperación cultural internacional, haya ido a parar varias veces a manos de traductores, entre ellos, al español Miguel Sáenz.

Es un reconocimiento de gran calado a la labor imprescindible de los traductores literarios. Sin nosotros, las diferentes lenguas y culturas serían islas, sin traductores no habría intercambio de conocimiento en otras lenguas. Me gusta mucho citar a José Saramago, quien dijo que "si los autores hacen la literatura nacional, los traductores hacen la literatura universal”.

El alemán y el español son tan diferentes lingüística y culturalmente hablando. ¿Qué tan compleja es su labor?

Si bien vistos desde afuera el español y el alemán -o México y Alemania- pueden parecer totalmente disímiles, he tenido la fortuna de vivir desde niña en ambos mundos. Y al hacerlo aprendí que, pese a sus aparentes diferencias, no son tan contradictorios.

Esta vida bilingüe y bicultural -que le debo al Colegio Alemán-, me ha facilitado la labor de mediar y comunicar entre ambas lenguas, de hallar formas de explicar y acercar hechos y conceptos que, en principio, podrían resultar ajenos al público mexicano. En mi más reciente traducción de "La séptima Cruz”, de Anna Seghers, novela que sucede en la década de 1930 en pleno Tercer Reich, propuse a mis editores añadir un glosario de términos, hechos históricos o personajes que un lector mexicano del siglo XXI no tiene por qué conocer, pero necesarios para comprender la trama y el contexto histórico y político de la obra.

¿Qué cualidades debe tener un traductor?

Cuando no existe la traducción exacta de una palabra o concepto, cosa muy frecuente, hay que buscar equivalentes, aproximaciones o paráfrasis, inventar metáforas nuevas y adecuadas e incluso acuñar términos nuevos. En esto consiste el encanto y el reto de la traducción literaria: en transportar y hacer inteligibles no sólo palabras, sino universos enteros.

Debes ser un lector ávido, conocer bien tu propia lengua y entender los intríngulis más sutiles de la lengua de la cual estás traduciendo. Tener una curiosidad insaciable, porque la traducción implica muchísima investigación pues no se puede traducir un tema que no conoces ni entiendes.

¿Cuáles considera que son los retos de su gremio?

Quiero dedicar el premio a todos los traductores literarios de mi país porque quiero pensar que nos dará visibilidad y llamará la atención sobre la importancia de la traducción literaria, sobre la calidad autoral de los traductores, quienes, según la Ley Federal del Derecho de Autor (de México), somos autores de obra derivada, no de obra primigenia, pero lo somos y como tales deberíamos cobrar regalías.

Nuestra lucha también es para que nos reconozcan los derechos morales, es decir, que aparezca nuestro crédito en la portada junto al nombre del autor de la obra, en la página legal o que los traductores tengamos la última palabra en cuanto a las correcciones de nuestros textos, no la editorial, pues en ocasiones hay términos o juegos de palabras que no se están entendiendo; al cambiarlos se modifica el sentido de lo escrito por el autor original en su lengua materna.

A esta minusvaloración e invisibilidad también se suman la imposibilidad de vivir sólo de la traducción literaria y la precarización de los derechos laborales. Son problemáticas frecuentes en muchos países, por ejemplo, en América Latina.

¿Cree usted que la inteligencia artificial amenaza la labor de los traductores?

La inteligencia artificial o las inteligencias artificiales ni son inteligentes ni son artificiales porque se nutren de un compendio de la sabiduría humana. Creo que primero afectarán a otras especialidades de traducción como las más técnicas, mas no a la traducción literaria por su alto grado de complejidad y de sutileza.

Las inteligencias artificiales tardarán un tiempo en producir y traducir buena literatura, pues si no entiendes el contexto histórico, cultural y lingüístico, no es posible traducir adecuadamente. Esa capacidad, que es humana, no la tienen las máquinas.

Por último, ¿qué obra traduce actualmente?

Me conmueve y enorgullece enormemente recibir el mismo premio concedido en 2003 a la periodista checo-alemana Lenka Reinerová, quien vivió en México durante los años 40 del siglo pasado, huyendo del terror nazi. Es una de las autoras, junto con Anna Seghers, Alice Rühle-Gerstel y Steffie Spira, a las que estoy traduciendo como parte de mi proyecto de rescate de las escritoras germanoparlantes exiliadas en este país durante el Tercer Reich.

Quise recuperar sus historias porque, a diferencia del exilio español, muy presente aquí en México, del exilio alemán no queda mucho. Aunque fue muy relevante para la sociedad mexicana de la época, es una memoria artística, cultural e histórica que se ha ido diluyendo porque al terminar la Segunda Guerra Mundial muchos alemanes regresaron a Alemania o porque en el país poca gente hablaba alemán.

Estas autoras son desconocidas en México, por eso quise integrarlas al canon literario mexicano. Me propuse traducirlas al español mexicano, con un lenguaje contemporáneo, porque "Tránsito”, "La séptima cruz” y "La excursión de las niñas muertas”, de Seghers, se tradujeron en España, pero no en México, donde se escribieron.

Por otra parte, ahora que están resurgiendo los fascismos, tanto en Alemania como en otros países europeos o latinoamericanos, hay que recordar lo que hizo el fascismo en los años 30 o 40.

Pet Shop Boys, el icónico dúo británico de electro-pop, se lanzó el pasado viernes (26.04.2024) un nuevo álbum. Se trata de su decimoquinto álbum de estudio, "Nonetheless", 40 años (y 50 millones de discos vendidos) después de que el dúo compuesto por Neil Tennant y Chris Lowe saltaran a la fama con el single "West End Girls" (1984).

Debido a su larga trayectoria musical, es común que se aparezca la pregunta cliché: ¿Cómo mantenerse relevantes?" Para ellos, se trata de nunca intentar ser cool. "Eso es algo que mucha gente intenta hacer, ser cool de alguna manera, lo que no tiene nada de cool, porque se hace un esfuerzo demasiado grande para ello”, dijo Tennant recientemente a The Associated Press.

"Así que hemos seguido nuestros propios instintos". "Siempre seremos relevantes en nuestro mundo", añadió Lowe, riendo.

¿Una prueba de esa relevancia? Los éxitos clásicos de Pet Shop Boys en dos películas de culto el año pasado: una escena de karaoke en "Saltburn" con "Rent" y una escena navideña en "All of Us Strangers" sonorizada por "Always on My Mind".

Esto difiere de lo que sucedía en un pasado, donde, según Tennant, su música siempre se utilizaba en exceso en torno a la imagen de un joven que entra en un club gay, "reduciéndonos a esta especie de cliché de discoteca gay", apunta.

Un álbum pandémico, pero optimista

En cualquier caso, "Nonetheless" sigue siendo optimista a pesar de haber sido escrito en el Reino Unido durante la pandemia de coronavirus, cuando la mayoría de la gente estaba encerrada en casa, además de ser el álbum más melódico de su carrera musical, señala el dúo británico.

"Bueno, hacía buen tiempo, ¿no?", bromea Lowe. "Fue una época muy productiva", añade Tennant, señalando que la cancelación de su gira disminuyó la presión.

"Creo que por eso suena en cierto modo bastante optimista, porque la vida era diferente. Era un tipo de vida diferente, sin presiones, aparte de intentar no contagiarse", dice.

Precisamente, el primer sencillo, "Loneliness" (Soledad), aborda el aislamiento social de la pandemia, pero se escribió como una canción con mensaje positivo. Otro tema"Why Am I Dancing?" (¿Por qué estoy bailando?), es una pregunta de Tennant: "¿Por qué estás disfrutando tanto de esta situación de estar solo que incluso puedes bailar?" "Y probable, estoy cocinando al mismo tiempo", se apresura a añadir.

"Cocinar y bailar, eso sí que es una pequeña idea para un podcast, ¿no?", bromea Lowe.

A pesar de vivir grandes cambios en la forma de consumir y descubrir música, la banda sigue siendo filosófica, "la música sigue siendo música", señalan. Y en cuanto a Spotify, aunque Lowe dice que le ha ayudado a descubrir mucha música nueva, ambos odian las recomendaciones de la aplicación.

"Con nosotros, The Pet Shop Boys, te dirá: 'Si te gusta esto, puede que te guste Duran Duran', así que pensará que no te gusta otra cosa que la música de los 80", explica Tennant. "A veces pueden pensar simplemente: 'Bueno, eres gay, así que puede que te guste Boy George porque él también es gay'. Es muy, muy estúpido", afirma.

Pet Shop Boys ofrecerá cinco actuaciones especiales en la Royal Opera House de Londres en julio.

ee (ap, reuters)

El legendario músico y compositor de Abba, Benny Andersson, prueba a sus 77 años componer en un nuevo género. Como anunció la Radio Sueca Sveriges Radio el lunes, Andersson ha compuesto los nuevos jingles (cortinillas musicales) de radio para la emisora ​​clásica P2. Según la emisora, Andersson aceptó inmediatamente cuando se le preguntó si escribiría las breves piezas musicales. Él mismo quería saber también si era capaz de hacer jingles "en lugar de obras musicales de dos horas”, dijo Andersson.

Disfrutó el trabajo

En total, Andersson escribió 37 melodías cortas, de las cuales un puñado resultaron seleccionadas. El músico de Abba grabó las cortinilias a principios de año junto con la orquesta Sveriges Radios Symfoniorkester. El propio Andersson toca el piano en las grabaciones.

Los jingles se pueden escuchar desde el lunes en la emisora ​​sueca de música clásica P2. Benny Andersson formó la banda de culto sueca Abba en los años 70 y 80 junto con Björn Ulvaeus, Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad. El grupo celebró el éxito mundial con canciones como "Waterloo”, "Dancing Queen” y "Mamma Mia”.

el(dpa, Radio Sueca)

Con motivo del 200 aniversario del estreno de la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven, la Biblioteca Estatal de Berlín pondrá en exhibición la partitura original de la célebre obra musical. El manuscrito será mostrado al público en Stabi Kulturwerk, el espacio de exposición de la biblioteca, del 7 de mayo al 25 de agosto, anunció la institución el lunes.

En la exhibición será incluido el último movimiento, con la"Oda a la Alegría" y su texto original de Schiller. Esta parte de la Novena Sinfonía se utiliza como himno europeo desde 1985.

Partitura dividida y reunificada

La sinfonía se estrenó en Viena el 7 de mayo de 1824. La partitura escrita se encuadernó en forma de libro alrededor de 1850. El secretario de Beethoven, Anton Schindler, vendió las primeras partes de la partitura. a la Biblioteca Real de Berlín ya en 1846, y las piezas faltantes llegaron en 1901.

Las diferentes ubicaciones de almacenamiento de las partes individuales del manuscrito durante la Segunda Guerra Mundial significaron que no se volvió a ensamblar por completo hasta después de la reunificación alemana.

La partitura original se conserva actualmente en la Biblioteca Estatal de Berlín, donde se conserva bajo estrictas medidas de seguridad. "Por regla general, la partitura autógrafa nunca sale de la bóveda", afirma Martina Rebmann, directora del departamento de música de Stabi.

La obra se mostró al público en general por última vez en 2020, cuando formó parte de una exposición para conmemorar el 250 aniversario del nacimiento de Beethoven.

el(DPA)

El 23 de abril, el Instituto Cervantes de Berlín celebró el Día del Libro con escritores latinoamericanos, españoles y alemanes en su biblioteca. Con la moderación del escritor argentino José Luis Pizzi, alrededor de doce escritores compartieron su literatura con una sala llena.

Los escritores tuvieron ocho minutos cada uno para exponer ejemplos de sus trabajos, contando con ensayos, poemas, artículos periodísticos, relatos breves y capítulos de novelas de ficción. DW tuvo la oportunidad de dialogar con varios de los protagonistas que son parte de una escena hispanoparlante que crece que cada vez más.

Berlín, cuna de literatura

Cristina Barón fue quien armó la biblioteca del Cervantes en Berlín hace más de quince años y es la bibliotecaria del instituto desde hace cinco. "En este tiempo, lo que más ha cambiado es que hoy ya no son solo escritores, sino que ves una escena literaria en español en Berlín con librerías, editoriales, bibliotecas especializadas como la del Iberoamericano, festivales y encuentros poéticos”.

De madre alemana y padre español, Ingeborg Robles salió de Alemania para conocer y escribir sobre el mundo. Durante doce años vivió en Inglaterra, Estados Unidos e Italia. Llegó a escribir en otros idiomas como el italiano, "pero yo quería reconectar con el público y la literatura alemana”, dice la escritora en diálogo con DW. Entonces, Robles se mudó a Berlín con la intención de volver a las raíces y potenciar su escritura en alemán. Pero el destino tenía otros planes, "quería concentrarme en un idioma y tener una vida literaria en alemán, pero se dio el caso de que me juntaba más con escritores hispanohablantes y participaba activamente de la escena literaria en español en Berlín”.

Pero a Berlín no solo emigran los escritores, sino que también Berlín los crea. Maximiliano Luis Freites es un psicólogo argentino que se mudó a la capital alemana hace poco más de quince años. "Yo nunca pensé ser escritor; escribía para mí, pero sin deseos de publicar”, cuenta. Nolos sintió sino hasta que Freites comenzó a frecuentar el Sarao Poético creado por Julio Sivautt, un evento periódico que ya en 2013 les daba a escritores aficionados la oportunidad de leer sus escritos frente a una audiencia hispana. "Ahí me animé a leer lo que escribía y, como sentía que gustaba lo que hacía, eso me animó a seguir escribiendo”.

Cortázar decía que uno tenía que esperar hasta madurar lo suficiente como para publicar un texto y Freites se podría decir que siguió el consejo. Con cuarenta años y casi la mitad de su vida vivida en Berlín, publicó su primer libro "La mueca de la hoja” de la editorial Abrazos, fundada en Alemania en 1999. "Así como ésta, tenés un montón de editoriales hispanas que se crearon en los últimos años, como Siesta Verlag o weRstories, que le dan cabida a nuevos autores”.

La posibilidad que otorga Berlín a escritores hispanoparlantes no se gestó de un día para el otro, sino que fue evolucionando gracias a la emigración y al trabajo. "Cuando yo vine a Berlín había un puñado de personas que organizaban eventos y encuentros, como Timo Berger y el Sarao Poético que motivó a mucha gente en ese momento, pero hoy ya no tenés una escena, tenés veinte. Hace diez años atrás, en Berlín tenías a lo mejor un par de eventos al mes en español; hoy no te da el tiempo para asistir a todos, tenés como tres por día. Eso le da mucha visibilidad y sinergia a los escritores”.

Libros, rosas y mitos: el Día de Sant Jordi

El día del libro español fue celebrado por primera vez en un 7 de octubre 1926 por un decreto real del rey Alfonso XIII, en conmemoración de la fecha de nacimiento que estimaban de Miguel de Cervantes. A los pocos años, finalmente se eligió el 23 de abril el cual, desde los años ochenta es la fecha internacional para el Día del Libro.

El 23 de abril coincide con el entierro de Miguel de Cervantes, la muerte de Garcilaso de la Vega y de William Shakespeare bajo el calendario juliano que aún se utilizaba en la Inglaterra protestante del Siglo XVII la cual, enemistada con el Vaticano, prefería utilizar un calendario impreciso.

El día del Libro coincide con el día de Sant Jordi, una tradición catalana que adopta el mito romano de San Jorge. En la versión española, un dragón que azotaba a los pobladores recibía cada año a un joven en calidad de ofrenda para apaciguarlo. Cuando la hija del príncipe fue sorteada para ser devorada por el dragón, la salvó Sant Jordi, quien regó el suelo con la sangre del dragón. Allí floreció un rosal de rosas rojas y Sant Jordi le ofreció una a la doncella. De ahí que la tradición dicte que el 23 de abril se regalen rosas y libros.

(ers)

Venecia es la primera ciudad del mundo que cobra entrada a los visitantes de un día, y la novedad ha causado cierto caos en su primer día. Tras llegar el jueves desde la península, turistas deambulaban con mochilas y maletas, especialmente por los alrededores de la estación de tren, sin saber si tendrían que pagar los cinco euros o no.

El nuevo reglamento se aplicará inicialmente en una fase de prueba que durará 29 días hasta mediados de julio. No hay un límite superior para la cantidad de turistas a los que se cerrará la ciudad al llegar.

Sólo más tarde se decidirá si esto continuará el año que viene. Con alrededor de 15 millones de visitantes al año, la ciudad italiana de la laguna es uno de los destinos turísticos más visitados del mundo. El turismo de masas aporta mucho dinero a las arcas de los venecianos, pero ahora también les causa muchos problemas.

El año pasado, Venecia estuvo a punto de ser incluida en la Lista Roja del Patrimonio Mundial en Peligro por parte de las Naciones Unidas. Esto podría prácticamente evitarse con la ayuda de la tasa que se ha introducido ahora. Otras ciudades muy visitadas como Ámsterdam, Barcelona y Dubrovnik siguen de cerca las experiencias de Venecia.

Numerosas consultas de turistas

Al principio, las autoridades de la ciudad instalaron puestos de información donde se recibía a los turistas que llegaban del continente. Hubo repetidas preguntas sobre quién tiene que pagar ahora y cómo hacerlo.

En principio, los huéspedes que permanezcan todo el día pagan cinco euros entre las 8:30 y las 16:00 horas. Para hacer esto, se debe obtener un código QR en línea y subirlo al teléfono celular. En caso contrario, se podrá imponer una multa de hasta 300 euros. Sin embargo, el alcalde Luigi Brugnaro prometió inicialmente "controles muy suaves”.

De todas formas, en las primeras horas no hubo ninguna multa. Según la administración, sólo el jueves más de 100.000 personas registraron su estancia. Sin embargo, hasta el miércoles por la tarde sólo unos 8.000 de ellos habían pagado la entrada. Todos los demás son locales, huéspedes que pasan la noche u otros visitantes para los cuales hay excepciones, dijo. Entre ellos se incluyen, por ejemplo, los viajeros, los estudiantes y los niños menores de 14 años.

Los huéspedes que pasen la noche también necesitan un código QR, pero lo obtienen de forma gratuita del hotel o del propietario. Inicialmente no había cifras más precisas sobre cuántas personas hicieron su reserva el jueves o esperaban evitar la entrada.

Decenas de miles de plazas para huéspedes

El flujo de visitantes de todo el mundo plantea desde hace muchos años graves problemas a la ciudad a orillas del Adriático. Hoy en día ya no quedan 50.000 residentes permanentes en el centro con sus cientos de canales. Para ello hay más de 50.000 plazas para huéspedes.

Muchos días es casi imposible transitar por las estrechas calles que rodean la Plaza de San Marcos y el Puente de Rialto.

Se puede ver en algunos de los edificios cuánto les está afectando el turismo. Incluso la Torre de San Marcos se está desmoronando. Por lo tanto, los ingresos adicionales se utilizarían posteriormente para renovar canales, callejones y edificios.

el(DPA)

Ludwig van Beethoven estaba muy ocupado antes del estreno de su Novena Sinfonía, el 7 de mayo de 1824. La nueva obra del maestro se esperaba con impaciencia en Viena. Los copistas trabajaban sin descanso para producir el material manuscrito para la interpretación. Beethoven no solo supervisaba su trabajo, sino que también trataba de encontrar un teatro, así como músicos y cantantes adecuados.

"El público suele ver a Beethoven como un genio solitario que creaba obras magníficas en soledad, cuando en realidad trabajaba con un gran equipo", explica Beate Angelika Kraus, musicóloga del Archivo Beethoven, el departamento de investigación de la Beethoven-Haus de Bonn. Allí fue donde nació Ludwig van Beethoven en el mes de diciembre de 1770. 

Beethoven y el trabajo en equipo

"También tenemos que pensar en Beethoven como un gestor que organizaba su vida profesional con una red de colaboradores", afirma Kraus, que es autora de una edición crítica de su Novena Sinfonía en el marco de las obras completas de Beethoven y ha estudiado intensamente cómo funcionaban los procesos de trabajo del compositor.

Sobre el escenario, había varias personas para dirigir el coro y la orquesta. Un director principal se situaba junto a Beethoven y marcaba los tempi. Aparte del concertino, líder de los violines primeros, también había un pianista que podía asumir ciertas responsabilidades. "Era lo habitual en aquella época. Cuando un coro subía al escenario, podía intervenir desde el piano si era necesario", dice Kraus. 

La Novena lo convierte en estrella mundial

Como hito de la historia de la música y "símbolo de cultura y humanidad", el manuscrito de la Novena Sinfonía forma parte del Patrimonio Documental Mundial de la UNESCO desde 2001. Por primera vez en la historia del género sinfónico, Beethoven escribió una parte para coro en su Novena Sinfonía, la última que logró concluir. 

Con casi 70 minutos de duración, la Novena es también una obra excepcionalmente larga. Beethoven abrió con ella el camino a muchos compositores. El famoso coro final, con el "Himno a la Alegría" simboliza la paz y el entendimiento internacional. La versión instrumental de esa parte de la obra se convirtió en el himno del Consejo de Europa en 1972 y es el himno oficial de la Unión Europea desde 1985. La melodía del texto Freude schöner Götterfunken, escrito por el poeta Schiller, es conocida hoy en todo el mundo, por lo que, según la UNESCO, la obra constituye una contribución al "diálogo cultural internacional".

La directora de orquesta ucraniana Oksana Lyniv dirigió la Novena un día después del ataque ruso a Kiev y Járkov, en febrero de 2022. Para ella, los pasajes del texto salidos de la pluma del poeta Friedrich Schiller son especialmente conmovedores. Por ejemplo, cuando dice: "Todos los hombres serán hermanos". "Todo el mundo debería desarrollar esta empatía, cuando se estrenó la obra todo el público quedó contagiado de ese espíritu, e incluso lanzaron sus gorras al aire", afirma Lyniv, en entrevista con Deutsche Welle.

No hay una sola Novena

 La Novena Sinfonía fue planeada durante largo tiempo. Se sabe que el primer esbozo data de 1815. En vida del compositor, la obra fue interpretada en doce ocasiones, pero no siempre se tocaba la misma versión. "Podemos decir que, a lo largo de doce años, Beethoven publicó en varias ocasiones una versión distinta de la Novena autorizada por él", dice Beate Angelika Kraus.

Así pues, la Novena del día del estreno era una versión temprana y diferente de la que después el compositor envió a su editor o de la partitura que le llegó al rey prusiano, a quien Beethoven dedicó finalmente su sinfonía. "La Novena no es, como suele pensarse, una obra fija», dice Kraus, "sino, más bien, una obra en curso".

Encargo de Londres

La sinfonía fue un encargo de la Sociedad Filarmónica de Londres; por ese motivo, el estreno tenía que ser en Inglaterra. Pero 30 amigos del arte firmaron una misiva pidiendo a Beethoven que estrenara primero sus últimas obras en Viena. "Conocemos desde hace tiempo esta carta de febrero de 1824, pero ahora la vemos desde otra perspectiva, porque sabemos que muchos de estos firmantes estaban en estrecho contacto con Beethoven", afirma Kraus. Por tanto, cabe preguntarse si Beethoven estaba implicado en la iniciativa que, sin duda, fue muy bien recibida como pretexto para que la obra se estrenara en Viena. 

El programa del estreno

Ludwig van Beethoven presentó sus últimas obras al público en conciertos, llamados "Academias". En la academia celebrada el 7 de mayo de 1824 en el Teatro de la Corte de Viena, en la Kärntnertor, además del estreno de la Novena Sinfonía opus 125, sonaron otras obras de Beethoven ante los más de dos mil espectadores congregados. Entre ellas, tres partes de la Missa solemnis opus 123 y la obertura La consagración de la casa opus 124. "En aquel entonces, nadie habría ido a un concierto que solo durara una hora o que solo tuviera en programa como única obra la Novena Sinfonía", dice Kraus.

En el momento del estreno, Beethoven padecía una grave sordera. Ya en edad temprana había perdido la capacidad de escuchar los sonidos agudos, como los de la flauta. "Además, padecía tinnitus y problemas con el volumen". En otras palabras, a pesar de la pérdida de audición, los sonidos fuertes los percibía como dolorosos, dice Kraus. Aun así, subía al  escenario y marcaba el ritmo. "Las frecuencias graves, por ejemplo los timbales y los bajos, es muy posible que las siguiera percibiendo".

Recreación del concierto del estreno

Con motivo del 200 aniversario del estreno de la Novena Sinfonía, la Casa Beethoven de Bonn ha reconstruido la "Academia" de 1824 con la mayor fidelidad posible. El 7 de mayo de 2024, un concierto recreará en el magnífico auditorio de la Stadthalle de Wuppertal aquel evento de 2024 en el que el público escuchó por primera vez la obra, ya que el lugar del estreno mundial, el Teatro de la Corte de Viena en Kärntnertor, ya no existe.

La Orquesta de la Academia de Viena actuará con instrumentos originales bajo la dirección de Martin Haselböck. Además, el coro de la cadena alemana WDR participará con destacados solistas. Al igual que en el estreno mundial, el coro no se situará detrás de la orquesta, sino delante de ella, y así, como dijo el director Haselböck a la prensa, interpelará de forma más directa al público. Para los organizadores, tanto la Missa Solemnis como la Novena de Beethoven apelan a la idea de la paz, más actual que nunca. El concierto será retransmitido en directo por Deutsche Welle en el canal de YouTube "DW Classical Music". (ms/ers)  

El cantante y compositor Joan Manuel Serrat, una voz esencial para generaciones de españoles y latinoamericanos, fue distinguido este miércoles con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2024 "por el alcance de una trayectoria artística que trasciende la música".

 La obra del cantautor catalán de 80 años, que en 2022 se despidió de los escenarios con una amplia gira, fue destacada por aunar "el arte de la poesía y la música al servicio de la tolerancia, los valores compartidos, la riqueza de la diversidad de lenguas y culturas, así como un necesario afán de libertad", según el acta del jurado de este premio convocado por la Fundación Princesa de Asturias, la heredera al trono español.

Autor de himnos como "Mediterráneo", "Cantares", "Paraules d'amor" o "Tu nombre me sabe a hierba", la música de este autor que iba para ingeniero agrónomo y que comenzó cantando en catalán ha visto crecer a varias generaciones de hispanoablantes.

Conocido como "el noi del Poble Sec" [el chico de Poble Sec, en catalán], por el popular barrio barcelonés en el que creció -y donde ahora una placa recuerda su nacimiento el 27 de diciembre de 1943-, Serrat comenzó su carrera a mediados de los 60.

Por entonces un joven espigado, magnético y de profunda sensibilidad en sus letras, fue uno de los representantes de la "Nova Cançó Catalana", aunque uno de sus primeros grandes éxitos llegaría en 1969 con el álbum en castellano dedicado al poeta español Antonio Machado.

De firmes ideales progresistas, Serrat pertenece a la generación de artistas que lucharon contra el régimen franquista (1939-1975), al que no dudó en incomodar cuando rechazó cantar en Eurovisión por no poder hacerlo en catalán.

Serrat, defensor del diálogo

Hijo de un operario barcelonés y una aragonesa que sufrió intensamente la muerte y la crudeza de la Guerra Civil (1936-1939), llegó a exiliarse unos meses en México en los últimos estertores del franquismo y nunca ocultó su oposición a las dictaduras militares sudamericanas.

La memoria, las raíces y la libertad atraviesan la obra de este artista de voz vibrante y cálida poesía, reconocido con múltiples galardones como la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio -la mayor de España para quienes no son jefes de Estado- o la medalla de la Legión de Honor de la República Francesa.

"Defensor del diálogo frente a la crispación, la obra de Joan Manuel Serrat es un exponente de su irrenunciable vocación de tender puentes entre países y generaciones", destacó el jurado del premio en su acta.

Este "latinoamericano de Barcelona", según él mismo se definió, fue designado también en 2014 Persona del Año por los Grammy Latinos. Muy querido a ambos lados del Atlántico, Serrat decidió despedirse de los escenarios, aunque no de la música, con una extensa gira en 2022 que le llevó a varios puntos de Latinoamérica hasta finalizar con un emotivo concierto en su Barcelona natal.

el(afp, efe)

El cuarteto paraguayo de Juanjo Corbalán, que fusiona estilos y ritmos tradicionales del folclore nacional y latinoamericano con ritmos modernos, se presentó en abril en Berlín con apoyo del Instituto Iberoamericano, durante su gira europea.

En el año 2017, Corbalán se unió a la saxofonista Lara Barreto en esta nueva aventura musical apoyada en uno de los símbolos más importantes que tiene la música paraguaya: el arpa.

"La idea fue siempre hacer folclore y el arpa está muy ligada a la música tradicional paraguaya; combinamos estilos de otros países como la chacarera o el joropo colombiano, pero siempre buscando mantener la identidad de la música paraguaya. Seguimos la idea que tiene Hermeto Pascoal acerca de que la música es la mezcla de todas las sonoridades”, dice a DW.

Ritmos ancestrales

El cuarteto no solo fusiona músicas contemporáneas sino también ancestrales. "Utilizamos ritmos del ‘peteke-peteke' que nacen en la ciudad de Yaguarón cerca de Asunción y que el baterista, Sebastián Ramírez, ha estudiado mucho”.

Las influencias musicales del grupo tienen un cauce sin muchas barreras. "Hay muchas sonoridades que vamos explorando y en todo ese enramado musical que vamos formando, obviamente están las influencias de cada uno, como el pianista Víctor Álvarez, que viene de una escuela más puramente ‘jazzística', o la saxofonista Lara Barreto, que viene de la música brasileña, etc.”

Una canción del cuarteto de Juanjo Corbalán puede comenzar en un estilo muy marcado y luego virar su curso hacia otro, cambiando ritmos y tiempos. "Podemos estar sonando súper tradicional y luego lo vamos desplazando a armonías más complejas quizás pero siempre manteniendo la esencia de la música tradicional paraguaya”.

Esta mezcla recuerda a lo que fue la música de Astor Piazzolla, que rompió moldes del tango tradicional porteño hacia nuevos horizontes, no sin recibir críticas. Algo similar les sucede a los músicos paraguayos. "Estos cambios a veces son difíciles de digerir para los oídos más tradicionalistas. Sucede mucho en Paraguay, como en todos lados”.

Vivir de la música

Hasta la disrupción de los medios digitales, la industria de la música funcionó más o menos igual por más de cuarenta años. Los sellos discográficos contrataban a un artista o banda y se generaban ganancias a partir de la venta de discos, merchandising y giras. Hoy es todo muy diferente, más aún acentuado por las plataformas de streaming. "Vivir de la música siempre fue un poco complejo y posiblemente más aún hoy en día. Antes se accedía más fácilmente a los agentes y representantes y hoy es más difícil”.

Hoy en día se corren menos riesgos a la hora de contratar un artista, especialmente si no se hace música que garantice grandes retornos. "Nosotros somos totalmente independientes, la gira la gestionamos nosotros. Vivir de la música en Paraguay es un poco complicado porque la música de fusión que hacemos no les es rentable a los sellos discográficos. Para esta gira contamos con el apoyo del programa Ibermúsicas, por ejemplo”.

El cuarteto de Juanjo Corbalán, quien junto a su pareja, Lara Barreto, organiza un festival de Jazz en Paraguay llamado "Jazz Sudaca”, tiene la posibilidad de rentabilizar a partir de los conciertos que dan en su país como también en Alemania, el resto de Europa y Asia. También hay otras variantes: "Además de las giras, tocamos en eventos privados o se dan clases, por ejemplo, el baterista Sebastián Ramírez es profesor en la Universidad de Asunción, todos le buscamos la vuelta y funciona”.

Bremen y el jazz latinoamericano

En la ciudad de Bremen se organiza uno de los eventos de jazz más importantes del mundo cada abril desde 2011, el ‘Jazzahead!', con la particularidad de que ofrecen un mercado para que artistas de todo el mundo puedan conocerse y estrechar lazos con productores, programadores de eventos internacionales, sellos, músicos y mucho más. Juanjo Corbalán comenta sobre las ventajas de este evento: "Ahí nos encontramos con representantes de festivales que están abiertos a nuestras propuestas. Fue increíble, la verdad, porque pude vender nuestra música y dar a conocer el proyecto”.

Gracias a este evento, músicos de todas partes encuentran una ventana significativa para dar a conocer su música en un mundo. "Bremen nos dio la posibilidad de establecer conexiones, hacer redes, y estamos muy contentos porque pudimos hacer buenos contactos que esperamos den fruto en el futuro”.

(ers)

Si quieres entender el mundo, no necesariamente tienes que recorrerlo. Fue Immanuel Kant (1724-1804) quien lo demostró. Este 22 de abril se celebra el tricentenario de su nacimiento. 

El filósofo alemán nunca abandonó su tierra natal en Prusia oriental, Königsberg (hoy Kaliningrado, un enclave de Rusia, entre Polonia y Lituania). Pero su comprensión del mundo no se quedó atrás: sus ideas revolucionaron la filosofía y lo convirtieron en un pionero de la Ilustración, que sigue siendo relevante frente al cambio climático o a las múltiples guerras y crisis de nuestro tiempo. 

La idea de las Naciones Unidas y de una ciudadanía cosmopolita

En 1795, en su ensayo "La paz perpetua", Kant recomendó una "federación de naciones" como comunidad federal de Estados republicanos. Según Kant, la acción política debería guiarse siempre por la ley moral. Después de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), su obra se convirtió en el modelo para la fundación de la Sociedad de las Naciones, precursora de las Naciones Unidas, en cuya carta dejó su huella.

Además del derecho internacional, Kant también trabajó en la idea del derecho de ciudadanía mundial. Al hacerlo, rechazó el colonialismo y el imperialismo, formulando ideas para un trato humano a los refugiados. Según él, toda persona tendría derecho de visita en cualquier país, aunque no necesariamente derecho a recibir hospitalidad como residente.

A favor de la razón y la argumentación

Kant no basó la dignidad y los derechos humanos -religiosamente- en Dios, sino -filosóficamente- en la razón. Confiaba mucho en la gente. Nos creía capaces de asumir responsabilidad por nosotros mismos y por el mundo. Y de dominar la vida con razón y argumentos.

Formuló una regla básica: "Obra de manera que la máxima de tu voluntad pueda ser considerada en cualquier momento también como principio de legislación general". Llamó a esto el "imperativo categórico", según el cual, sólo deberíamos hacer lo que sea por el bien de todos.

En 1781, Kant publicó la que probablemente sea su obra más importante: su "Crítica de la razón pura". Allí planteó las cuatro preguntas fundamentales de la filosofía: ¿Qué puedo saber? ¿Qué debo hacer? ¿Qué puedo esperar? ¿Qué es el ser humano? 

Su búsqueda de respuestas a estas preguntas se denomina epistemología. En su tratado, diferencia de muchos filósofos que le antecedieron, explica que la mente humana no puede responder a preguntas como la existencia de Dios, el alma o el origen del mundo.

Pionero de la Ilustración

Las enseñanzas y escritos de Immanuel Kant sentaron las bases de una nueva forma de pensar, posicionándolo como un pionero de la Ilustración. Este movimiento intelectual, que surgió en Europa a finales del siglo XVII, declaró que la razón humana (racionalidad) y su uso correcto eran la norma para todas las acciones. 

En sus escritos, Kant llamaba a desprenderse de cualquier instrucción (como los mandamientos de Dios) y a asumir la responsabilidad de nuestras propias acciones. De él también proviene esta famosa frase: "Lo que no quieras que te hagan a ti, no se lo hagas a nadie más".

Contra el colonialismo y la esclavitud

Todavía hoy circulan numerosos juicios y prejuicios sobre Kant. El filósofo alemán Otfried Höffe ha puesto a prueba algunos, incluida la afirmación de que era un "racista eurocéntrico" y un misógino.

En ambos casos caso, su respuesta es: "Sí, pero...". Pues Kant condenaba el colonialismo y la esclavitud, y era personalmente un "maestro elegante" con las mujeres. Pero estaba "sujeto a los prejuicios de su tiempo" y, en algunos de sus escritos hay pasajes muy cuestionables, a veces contradictorios, que discriminan a todas las mujeres y niegan cualquier talento a "negros" o "indios amarillos", ha escrito Höffe en el Neue Zürcher Zeitung.

Celebración de Kant

Muchos actos conmemorarán a Kant y su legado en 2024, también en Alemania. En junio se celebrará en Berlín una gran conferencia académica, a la que seguirá en otoño un Congreso Internacional sobre Kant en Bonn, que en principio estaba previsto en Kaliningrado, pero que no podrá celebrarse allí debido a la guerra de agresión rusa contra Ucrania. 

sd/suc/so//mw/rml (KNA/epd/dpa/nzz) 

Jimadores cargan piñas de agave en una plantación de agave en Tequila, Estado de Jalisco, México. La ciudad de Tequila celebra en 2024 los 50 años de la Denominación de Origen Tequila, que ofrece a los consumidores la garantía de autenticidad de los productos que llevan este nombre y está respaldada por la Norma Oficial Mexicana que contiene las especificaciones para elaborar, embotellar y comercializar el tequila.

Tras recibir una fetua, una condena islámica a muerte (también conocida como fatwa), que se le impuso hace más de 30 años, Salman Rushdie se refugió en la clandestinidad. Sin embargo, nunca quiso permanecer en silencio. En su país de residencia, Estados Unidos, se sentía seguro, pero esto cambió el 12 de agosto de 2022.

Un asesino de entonces 24 años atacó a Rushdie con un cuchillo en un evento literario en Nueva York y le hirió gravemente. En aquel momento, Rushdie declaró en una entrevista con el diario alemán Die Zeit que había tenido mucha suerte. "Si el atacante me hubiera golpeado en cualquier otra parte del cuerpo, mi historia habría terminado". 

El escritor de 76 años y ganador del Premio de la Paz del Comercio Librero Alemán sigue luchando hoy con las consecuencias: Es ciego de un ojo y ya no puede mover una mano.

Rushdie: "Mi respuesta a la violencia es el arte"

El libro "Cuchillo: Meditaciones tras un intento de asesinato" (en inglés: "Knife. Meditations After an Attempted Murder"), que se publica en 15 países, es su forma de "asumir lo sucedido y responder a la violencia con arte", explicó Rushdie en un comunicado de su editorial Penguin Random House, que anuncia "una historia sobre el miedo, la gratitud y la lucha por la libertad y la autodeterminación".

Rushdie ya había hablado con la revista estadounidense The New Yorker sobre sus planes de escribir un libro sobre el atentado, en febrero de 2023. Sin embargo, quería escribir la historia en primera persona. 

"Si alguien te apuñala con un cuchillo, es una historia en primera persona". No es el libro más fácil del mundo, pero tenía que escribirlo y afrontar el ataque para poder volver a centrar su atención en otras cosas. "No puedo simplemente escribir una novela que no tenga nada que ver con eso", dijo en la larga entrevista. Es lo mismo que sintió en los años inmediatamente posteriores a la fetua.

La fetua no ha sido anulada

La fetua fue emitida en febrero de 1989 por el ayatolá Ruhollah Jomeini, entonces guardián supremo de la fe islámica en Irán, como respuesta al libro "Los versos satánicos". 

Por ello, impuso la pena de muerte a Rushdie y a todos los implicados en la publicación del libro. Desde entonces, el escritor ha estado en constante peligro de ser atacado por extremistas islamistas, pero Rushdie nunca quiso ceder al miedo.

El atacante de agosto de 2022 lo tuvo fácil en el evento cultural donde cometió el delito, ya que las medidas de seguridad eran prácticamente inexistentes. El agresor fue posteriormente detenido y rechazó la acusación de intento de asesinato, declarándose inocente.

El juicio contra él debería haber comenzado en enero de 2024. Sin embargo, la defensa había declarado que su cliente tenía derecho a ver el manuscrito del libro como posible prueba. Una nueva fecha para el inicio del juicio no se ha establecido todavía.

Después de que su última novela "Victory City" se publicara en abril de 2023, "Cuchillo" es ahora el decimosexto libro de Salman Rushdie. Se publicará el 16 de abril de 2024. 

(rml)

La película 'Back to Black', que cuenta la historia de Amy Winehouse a través de la propia mirada de la artista e incluye, entre sus personajes, al barrio londinense de Camden, donde ella residió, se estrenó este fin de semana en el Reino Unido.

El largometraje dirigido por Sam Taylor-Johnson ('50 sombras de Grey') se rodó por las calles y los canales de este distrito de Londres, que, según la cineasta, "formaba parte de la vida y del destino de Amy".

Para los productores era clave grabar la película allí, donde, según el productor musical Giles Martin, continúan conviviendo la belleza y la decadencia: "Creo que representa lo que Amy sentía; me gusta que soñara con el Carnegie Hall y el local Ronnie Scott's, pero en el fondo era una chica de Camden hasta la médula".

Siempre presente

En la capital británica es posible recorrer algunos de los sitios de la vida de una de las estrellas más emblemáticas del siglo XXI.

Así lo han hecho la pareja de Egea Amelie y Renard Timothe, que, desde Francia, viajaron para visitar Londres y aprovecharon para hacerse una foto con un mural de la artista.

"Cada vez que uso lápiz de ojos me acuerdo de ella", dijo Amelie a EFE, en referencia al característico maquillaje de la cantante.

También desde el país galo viajó a la capital británica el estudiante de ventas Maxime Loisel, quien, de paseo por Camden Town, se fotografió con la estatua conmemorativa de bronce de Amy Winehouse, creada por Scott Eaton en 2014.

Reconoce a Amy Winehouse, de la que admira su voz, como "una persona relevante en Camden", destacando, para él, algunas de sus canciones más populares, como 'Rehab' o 'Back to Black'.

Lugares emblemáticos 

Otro de los lugares representativos de la vida de la artista es el pub The Hawley Arms. Allí cantó algunas de sus canciones en 2010, en una actuación inesperada después de dos años sin subirse a los escenarios, como publicó entonces la BBC.

Justo detrás, hay un gran mural en el que la cantante londinense aparece representada en un grafiti firmado por el artista JXC.

La casa de Amy Winehouse en el número 30 de Camden Square también se convirtió en un lugar de culto para los admiradores de la cantante, donde aún permanecen las ofrendas en tributo de la artista alrededor de uno de los árboles frente a su antiguo domicilio.

En los muros de la entrada también hay numerosas marcas de pintalabios en forma de besos, al lado de mensajes como "Descansa en paz, querida", "Te quiero, Amy" o "Un beso al cielo".

Además, por todo el barrio, muchos artistas han querido dejar su particular homenaje en forma de arte callejero, como en la esquina de Bayham Street y Pratt Street, en uno de las paredes altas enfrente de Nemesis Tattoo en Stucley Place, o uno de los más recientes bajo el puente del metro de Londres de Camden, en la entrada del mercado.

ee (efe, The Guardian)

(para 4 personas)

 

Tartar de pescado: 

400g de filete de pescado de mar 
2 limones
2 chalotas  
1 zanahoria  
100g de pepino 
150 ml de leche de coco  
7g de jengibre fresco 
1 diente de ajo 
Sal y pimienta 

 

• Se recomienda meter el pescado fresco en el congelador unos 30 minutos antes de su preparación; de este modo se corta mejor y es más higiénico.
• Limpiar los filetes de pescado y retirar las espinas. Aclararlos rápidamente con agua fresca y secarlos con papel de cocina. A continuación, se cortan en dados no muy grandes.
• En un recipiente, se exprime el zumo de los limones. Se introduce el pescado aderezado con un poco de sal y se deja macerar al menos 20 minutos. Remover de vez en cuando mientras se deja descansar en la nevera.
• Mientras, se pelan las chalotas y se cortan en tiras muy finas. Se corta la zanahoria en bastoncillos finos y el pepino sin pelar, en dados. Reservamos.
• Se saca el recipiente de la nevera, se añade la leche de coco y se condimenta con ajo y jengibre rallados.
• Finalmente se incorporan el pepino, las chalotas y la zanahoria, se rectifica el aliño si es necesario y se sazona con sal y pimienta.
• Servir en un pequeño bol o recipiente. 

 

Arroz aromático:

200g arroz jazmín
350-400ml de agua tibia
Sal
 

• Poner el arroz basmati en un colador y enjuagar con abundante agua fresca. 
• En una cacerola se pone el agua a calentar; cuando rompa a hervir se incorpora el arroz y un poco de sal.
• A continuación, se reduce el fuego y se sigue cociendo a fuego lento con la tapa cerrada (aprox. 10 minutos) hasta que se absorba el agua. 
• Añadir un poco más de mantequilla si se desea y remover con cuidado.  
• Dejar reposar en caliente una media hora antes de servir. 

 

 

Chips de verduras:

1 zanahoria
1 chirivía
1 pastinaka
1 remolacha
1 papa
1 raíz de perejil
Aceite y sal

 

• Se pelan todas las hortalizas; si son de cultivo biológico simplemente hay que lavarlas bien frotando con un cepillo si es necesario.
• Se tallan en láminas muy finas con una mandolina o un pelador (2 mm), ya que con un cuchillo llevaría demasiado tiempo.
• Se secan bien con un papel de cocina.
• Se meten en un bol y se condimentan con unas gotas de aceite de oliva, sal y pimienta y se remueve. También puede poner un poco de nuez moscada o curry.
• Se extienden sobre una bandeja de hornear forrada con papel vegetal.
• En función del horno y el grosor de los vegetales puede variar el tiempo, pero se dejan unos 15 minutos vigilando para que no se quemen. 
• Una vez se hayan deshidratado, quedan bien crujientes. Se sacan del horno y se dejan enfriar.
• Junto con el tartar de pescado y el arroz, son un acompañamiento perfecto, pero también un aperitivo tomado como snack.

 

iBuen provecho!

Mozart se quejaba en una carta de que se le considerara un prodigio, cuando lo cierto era que, decía, nadie en el mundo había trabajado más la técnica musical que él. En otra, destacaba su predisposición al trabajo frente a la ociosidad y lamentaba haber pasado catorce días sin escribir una sola nota. "Pero no por pereza o dejadez, sino porque me era imposible". Y eso que es uno de los compositores más prolíficos y creativos de la historia de la música. Pero, ¿qué es la creatividad?

"Es crear, crear algo nuevo", afirma el artista Cristóbal Toral, para quien "la creatividad procede de una vocación". Una vocación inicial que "es un misterio" y que, en su caso, fue la pintura. Luego hacen falta capacidades, explica en entrevista con DW, y preparación... pero esta no basta. "Porque se puede pintar muy bien, pero no aportar nada". "La creatividad, en definitiva, es una lucha constante en la que tienes que estar muy alerta" y "con ganas de innovar y de renovarse", resume.

Toral, uno de los pintores españoles en activo más reconocidos, también ha vivido "momentos de bloqueo y momentos difíciles". "Pero claro, eso se resuelve pintando, pintando y equivocándote sobre el lienzo, y así van surgiendo las cosas... como decía Picasso, la inspiración te debe pillar trabajando".

"Yo me acuerdo cuando Botero, que era muy amigo, me invitaba en verano a su barco. Un día le dije: 'Pero Fernando, ¿ tú has visto la maravilla de barco que tienes, su diseño...? ¡Esto es una belleza, una obra de arte!'... Y él se reía", rememora, aunque el recientemente fallecido escultor colombiano acabó dándole la razón.

"Quiero decir con esto que la creatividad se expresa no únicamente en el arte, sino en infinidad de cosas", afirma Toral, declarándose un "apasionado del diseño" y citando ejemplos que van de los tapacubos de un automóvil a las actuales cafeteras.

La principal investigadora de la creatividad es la psicóloga estadounidense Teresa Amabile, que no enseña en una escuela de arte sino en la Harvard Business School, la escuela de negocios más prestigiosa del mundo. Sus investigaciones, que abarcan más de cuarenta años de experimentos clínicos y observaciones en sectores como el de las nuevas tecnologías, se centran actualmente en la forma de potenciar la creatividad en el entorno laboral. Empresas como Pixar o Apple la han invitado para explicar sus ideas, así como el Foro de Davos. Antecedentes ilustres no le faltan.

Más de mil inventos y más de mil intentos

Para ilustrar el surgimiento de una idea se suele recurrir a una bombilla. No es por casualidad. Fue un invento de Thomas Alba Edison, quien registró a lo largo de su vida profesional más de mil patentes. Cuando lo presentó en 1879, llevaba más de un año investigando y dijo haber hecho más de mil intentos. Le preguntaron si no se había desanimado después de tanto fracaso y respondió que no había habido ningún fracaso, que simplemente había aprendido mil formas de cómo no hacer una bombilla.

"Gran parte de los frenos a la creatividad surgen de los convencionalismos sociales, los prejuicios y estereotipos, los propios aprendizajes previos, los sistemas educativos repetitivos y memorísticos, la tendencia a la conformidad, la inseguridad y el miedo al rechazo, al fracaso o al ridículo", enumera el psicólogo Guillermo Ballenato Prieto. "La crítica suele ser un gran enemigo de la creatividad, conviene reducirla en las organizaciones, así como limitar en lo posible las sanciones cuando se comete algún error", aconseja en entrevista por correo electrónico con DW.

Edison, por ejemplo, ademásde contar con otros trucos creativos, trataba de fomentar la creatividad de sus empleados e imponía una cuota a su taller de un descubrimiento menor cada diez días y uno mayor cada seis meses.

Es uno de los ejemplos que pone Ballenato en los cursos para desarrollar la creatividad que ofrece en la Universidad Carlos III de Madrid. El objetivo de Edison era que todos sus empleados asumieran el reto. Uno de sus alumnos más adelantados, Henry Ford, aprendió de sus técnicas organizativas y acabó convirtiéndose en uno de los industriales más importantes de Estados Unidos como fundador de la automotriz Ford. "Sentir que podemos superar las adversidades nos ayuda a superarlas", afirma Ballenato. Ford lo expresó con otras palabras en una de sus declaraciones más citadas.

Amabile cuenta que, cuando empezó a abordar la creatividad como tema de estudio, las investigaciones se centraban en la personalidad del genio y no en el trabajo que hay detrás, pero que, en realidad, la gente corriente también puede ser creativa, incluidos los niños. Ballenato sigue esa línea.

"Se puede entrenar la mente para desarrollar la creatividad", sostiene. "Es una gimnasia mental que puede incorporar varias estrategias. Entre ellas, destacaría el valor de romper con los hábitos, dar un voto de confianza a lo absurdo, mirar más allá de lo aparente, ampliar la perspectiva, investigar y enriquecer la mente con nuevas informaciones, llevar un registro de ideas…".

Al igual que Amabile, Ballenato destaca la importancia de la motivación y la colaboración en equipo. "Con el intercambio de ideas, se produce una fertilización cruzada que se nutre de nuevas informaciones, perspectivas, relaciones y asociaciones de ideas", afirma. Así como la de la organización del trabajo: "Las estructuras más horizontales e igualitarias suelen potenciar más la creatividad que las jerarquías excesivamente verticales", resume. "En paralelo, es necesario premiar la iniciativa, las aportaciones y las ideas", añade.

"El buen clima de trabajo y la alta motivación son excelentes catalizadores" para la creatividad, dice. También recomienda desconectar y, en cierto sentido, vagabundear, para superar los bloqueos. En estos casos, Cristóbal Toral busca inspiración en la naturaleza y su ilimitada diversidad. "No hay dos verdes iguales ni hay dos hojas iguales", dice el pintor con admiración. "La creatividad implica inconformismo, apertura al cambio, 'ir más allá' de lo convencional. Es un estado de conciencia y, en definitiva, una actitud ante la vida", concluye Guillermo Ballenato.

(ms) 

Durante el vibrante festival de los carros en Ason, Katmandú, Nepal, el 9 de abril de 2024, la comunidad Newari llevó carros de las diosas Kankeshwori, Bhadrakali y Sankata, adornados con gorros de colores. Este evento anual, celebrado un día después del Ghodejatra, marca el fin del festival Pahan Chahre de tres días, uno de los festivales religiosos de Nepal celebrados con especial fervor en Katmandú.

En realidad, las casas de apuestas habían apostado por la cantante británica Olivia Newton-John. Ya era una estrella en aquel momento y la clara favorita. La cantante Gigliola Cinquetti, que ya había levantado el trofeo con Italia en 1964, también tenía buenas probabilidades. ¿Y Suecia? Este país nunca había ganado este concurso. Y nadie creía que eso fuera a cambiar.

El grupo Abba era desconocido fuera de su país. El año anterior ya habían intentado imponerse en Eurovisión con Ring Ring, pero fracasaron en la ronda preliminar. En 1974, todo salió bien. En el "Melodifestivalen", como se conoce a la ronda preliminar sueca, el cuarteto ganó con la canción Waterloo y se le permitió viajar a Inglaterra para representar a Suecia. El resto es historia de la música.

El Waterloo de Napoleón como canción de amor

32 países participaron en el certamen, que en ese momento todavía se llamaba Grand Prix Eurovision de la Chanson. Cuando se anuncia la actuación de Abba como la octava de un total de 17 esa noche, entra en escena un hombre vestido de Napoleón, su nombre: Sven-Olof Walldoff. Él dirigió la canción que haría mundialmente famosa a Abba. Le seguireron Benny Andersson, Björn Ulvaeus, Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad con ropa brillante, pantalones de terciopelo y zapatos de plataforma muy altos.

La canción fue escrita por el manager de la banda Stikkan "Stig" Anderson, quien se la tarareó a Björn y Benny por teléfono y ellos compusieron la música en un lugar apartado en la naturaleza de la isla sueca de Viggsö. Esta trataba de amor: rendirse como lo hizo una vez el general francés Napoleón en la batalla de Waterloo. Además de esta canción, la banda también pensó en el título "Hasta mañana", pero Stig respondió: "Déjenme a mí decidir qué canción debemos usar. Si todo sale mal, pueden matarme después". No se tuvo que matar a nadie, al contrario, Abba ganó el concurso musical con 24 puntos, por delante de Italia, con 18.

Apuesta de 120 libras

Para Anderson, la victoria no era el objetivo más importante. Quería presentar Abba a unos 500 millones de espectadores y luego vender muchos discos. Aun así, tenía esperanzas y apostó 120 libras por la victoria.

La canción no duró más de dos minutos y 45 segundos, y después de 90 minutos Abba fue declarado ganador del gran premio. Pero la ceremonia de premiación se retrasa porque un trabajador del evento no quiso dejar subir a Björn Ulvaeus al escenario, no podía creer que el hombre del extraño traje brillante estaba participando en el concurso. En retrospectiva, esto es comprensible para el sueco. "Nadie ha subido nunca al escenario con un aspecto tan feo y mal vestido como el nuestro", admite.

"Waterloo” arrasa en las listas

Inmediatamente después del Grand Prix Eurovision de la Chanson en Brighton, "Waterloo" se lanza como sencillo en 54 países y alcanza el top 10 de las listas en casi 20 de ellos. En Alemania y Reino Unido, Abba consigue que "Waterloo" sea el primer gran éxito de muchos que le seguirían. La canción se grabó en sueco, inglés, alemán y francés, y se convirtió en un éxito de ventas. El sencillo vendió más de cinco millones de copias. En 2004, la canción alcanzó el número 20 en las listas británicas cuando se reeditó con motivo de su 30 aniversario. El 22 de octubre de 2005, "Waterloo" fue elegida mejor canción de la historia del concurso, en la 50 edición de Eurovisión.

Abba eterna, incluso virtualmente

Al principio, se pensaba que los suecos eran una maravilla de un solo éxito, cuya fama pronto se desvanecería, Anderson relató más tarde. Pero se equivocó. En los años siguientes, Abba vendió 400 millones de discos y consiguió 17 grandes éxitos, entre ellos The Winner Takes It All, Dancing Queen, Thank You For The Music y Gimme, Gimme, Gimme. También produjo el musical Mamma Mia, que se representa con éxito desde hace más de 20 años. El hecho de que el grupo se disolviera en 1982 no afectó su éxito. Por décadas, los fanáticos esperaron un regreso, y en 2021 había llegado el momento. Los suecos regresaron con el álbum Voyage y un concierto virtual, llamado ABBAtare. Y, por supuesto, Waterloo volvió a estar en su lista de canciones.

(ct/rr)

Un visitante asiste a la vista previa para los medios de comunicación de la exposición "Del corazón a las manos: Dolce & Gabbana" en el Palazzo Reale, en Milán Italia. Entre el 7 de abril y el 31 de julio de 2024, el evento será una exploración inmersiva en la narrativa detrás de las colecciones de alta costura de la afamada firma de moda.

 (para 6 personas)

 

Relleno de camarones:

500 g de gambas frescas  
3 tomates 
2 cebollas
2 tallos de apio 
2 dientes de ajo  
4 cdas de aceite de oliva   
2 cdas de mantequilla  
300 ml de leche  
3 cdas de fécula de maíz  
1 ramillete de perejil fresco 
Sal y pimienta
Azúcar

 

• Eliminar la cabeza, cáscara e intestino de los camarones.
• Lavar las gambas.
• Calentar la mitad del aceite de oliva en una sartén caliente.
• Saltear las gambas con la mitad del ajo picado. 
• Retirar y reservar.  
• Picar las cebollas y el apio.
• En la misma sartén y con el aceite de oliva restante, dorar las cebollas, el apio y ajo durante unos cuatro minutos.
• A continuación, añadir los tomates cortados en dados.
• Seguir cociendo a fuego lento y añadir un poco de agua, si es necesario.  
• En un recipiente aparte, mezclamos la fécula de maíz y la leche con un batidor.
• Se incorpora y se deja cocinar a fuego lento otros cuatro minutos más sin dejar de remover hasta que espese.
• Retirar del fuego y añadir los camarones y el perejil picado.
• Salpimentar y reservar. 

  

  

Relleno de verduras:

400 g de puerro 
1 tallo de coliflor 
2 zanahorias
4 cdas de aceite de oliva   
1 cebolla 
2 dientes de ajo  
Tomillo u orégano  
1 taza de agua  
3 cdas de queso crema   
3 cdas de nueces
1/2 taza de perejil fresco 
Sal y pimienta  

 

• Lavar y picar el puerro, la coliflor y las zanahorias. 
• En una sartén grande, calentar el aceite de oliva.
• Saltear primero la cebolla  picada y luego el ajo.
• Añadir el puerro, la coliflor y las zanahorias y un poco de agua.
• Saltear hasta que las verduras estén al dente.
• Incorporar el queso crema y las nueces.
• Salpimentar y añadir las hierbas frescas.

  

  Masa de garbanzos:  

2 latas de garbanzos cocidos  
3 cdas de fécula de maíz 
3 cdas de aceite de oliva  
Sal y pimienta  

 

• Triturar los garbanzos en un procesador de alimentos junto con la fécula de maíz hasta obtener una pasta suave.
• Añadir el aceite de oliva y salpimentar.  
• Cubrir la superficie de los moldes con aceite.
• Forrar los moldes con una capa de masa no demasiado fina.
• Reservar el resto de la masa.
• Hornear en un horno precalentado a 200 °C durante unos 10 minutos.  

    

Para pincelar: 

 2 yemas de huevo  
 3 cucharaditas de agua

 

• Precalentar el horno a 180°C. 
• Rellenar los recipientes precocidos con los dos rellenos y cubrir con el resto de la masa.   
• Pincelar la superficie con una mezcla de yema de huevo y agua
• Hornear las cazuelas durante unos 30 minutos hasta que se doren.  

 

 Servir aún calientes, acompañadas de ensalada y decoradas con hierbas y flores comestibles.

 

¡Buen provecho!

 

Nunca es realmente el final del camino para Kiss. El cuarteto de hard rock ha vendido su catálogo, marca y propiedad intelectual a la empresa sueca Pophouse Entertainment Group en un acuerdo estimado en más de 300 millones de dólares.

No es la primera vez que Kiss se asocia con Pophouse, cofundada por Björn Ulvaeus, de ABBA. Cuando la formación actual de la banda (fundadores Paul Stanley y Gene Simmons, así como el guitarrista Tommy Thayer y el batería Eric Singer) subió al escenario en la última noche de su gira de despedida en diciembre pasado en el famoso Madison Square Garden de Nueva York, terminaron mostrando hologramas de sí mismos.

Esta tecnología de punta fue creada por la empresa de efectos especiales de George Lucas, Industrial Light & Magic, en colaboración con Pophouse. Ambas empresas se unieron recientemente para el espectáculo "ABBA Voyage" en Londres, en el que los fans pudieron asistir a un concierto completo de la banda sueca en sus mejores tiempos, interpretado por sus propios avatares digitales, u hologramas.

Hasta ahora no se ha anunciado cómo se utilizarán los hologramas de Kiss, pero Per Sundin, CEO de Pophouse, anticipó a los fans que estén pendientes pues vendrá una película biográfica, un documental y una experiencia temática de Kiss próximamente.

El espectáculo holográfico está previsto para la segunda mitad de 2027, pero no esperen que se parezca en nada a "ABBA Voyage", dijo Sundin a la AP. Y los fans pueden esperar que empiece en Norteamérica, anticipó.

Sundin agregó que el objetivo es exponer a Kiss a las nuevas generaciones, lo que, en su opinión, distingue a Pophouse de otras adquisiciones de catálogos musicales.

"Las discográficas, las tres grandes que quedan, hacen un trabajo fantástico, pero tienen muchos catálogos y no pueden concentrarse en todo", dice. "Trabajamos con Universal (Music Group) y Kiss, y aunque seamos propietarios de los derechos de los artistas, lo hacemos conjuntamente con Kiss. Pero sí, compramos todos los derechos, y eso no es algo que haya visto tan claro antes".

"No me gusta la palabra adquisición", dice Gene Simmons a AP a través de Zoom, asegurando que la banda nunca vendería su catálogo a una compañía a la que no le tuviesen cierto aprecio.

"La colaboración es exactamente de lo que se trata. Hablamos todo el tiempo. Compartimos ideas. Es una colaboración. Paul (Stanley) y yo especialmente, con la banda, seguiremos comprometidos con esto. Es nuestro bebé", añadió.

Y dentro de eso: no más giras en directo, de verdad. "No vamos a girar de nuevo como Kiss, y punto", dice. "No vamos a ponernos el maquillaje y salir ahí fuera", dijo Simmons.

Kiss son la segunda inversión de Pophouse fuera de Suecia: en febrero, Cyndi Lauper entró en una asociación con la empresa que incluye la venta de la mayor parte de su música y un nuevo proyecto que ella denomina "obra de teatro inmersiva", en el que transporta al público al Nueva York en el que creció.

ee (ap, Pophouse)

James Cameron, el creador de éxitos cinematográficos como "Terminator", "Aliens" y "Titanic", fue uno de los pioneros del uso de nuevas tecnologías en el séptimo arte, pero en una entrevista con la AFP en París dice que se ve a sí mismo como un "dinosaurio" porque aún le gusta el lápiz y el papel para imaginar sus historias.

"L'Art de James Cameron" es una exposición que se abre en la Cinemateca Francesa este jueves (04.03.2024), hasta enero. El visitante puede contemplar los bocetos que Cameron ha elaborado desde su infancia hasta la saga "Avatar".

El dibujo lo era todo

"El dibujo era cómo procesaba el mundo. Leía, veía películas, absorbía toda la narración y luego simplemente tenía que contar la mía. Recuerdo muy claramente que a los ocho o nueve años fui a ver la película "La Isla Misteriosa". Me quedé asombrado por las grandes criaturas y el cangrejo gigante, pero cuando regresé a casa no dibujé "La Isla Misteriosa": dibujé mi propia versión con diferentes animales.”

"Recuerdo también que en la escuela secundaria me tomaba muy en serio la disciplina de dibujar en todo tipo de estilos diferentes. Creé mis propios cómics. Pensé que tal vez escribiría una novela y la ilustraría. Aún no existían las novelas gráficas, pero estaba pensando en viñetas... así que realmente estaba pensando en planos. La transición al cine fue bastante fácil”, afirma Cameron.

"(Mi primer dibujo de "Avatar") lo hice cuando tenía 19 años, así que hace 50 años. Ese dibujo me llevó a pensar en un mundo bioluminiscente y escribí una historia sobre ello a finales de los 70. A principios de los 90, cuando fundé una compañía de efectos visuales y estábamos tratando de hacer personajes y criaturas generados por computadora, necesitaba un guion sobre otro planeta, así que encontré ese trabajo artístico, y eso se convirtió en "Avatar" -- en 1995”, cuenta.

"La imagen de "Terminator" me vino en un sueño. Estaba enfermo, tenía mucha fiebre, y en ese sueño febril vi un esqueleto cromado emergiendo de un incendio. Lo dibujé de inmediato. Y luego pensé: "¿Cómo llegó ahí? ¿Cómo era antes?" E instintivamente supe que parecía humano antes del fuego.”

"Cuando era niño tenía sueños de pasar por túneles acuáticos a gran velocidad, como un sistema circulatorio, que terminaban en el abismo. Tuve una pesadilla sobre estar en una habitación donde las paredes estaban cubiertas de avispas que me matarían, y eso se convirtió en la escena de "Aliens" donde ella corre hacia la cámara de los huevos”, recuerda el cineasta canadiense.

Su postura frente a la inteligencia artificial

"El problema es que hay múltiples tipos de inteligencia artificial (IA), algunas de los cuales aún no han llegado. La inteligencia artificial general es una gran incógnita. Creo que definitivamente deberíamos frenar en ese campo”, dijo Cameron a la AFP.

"En términos de IA generativa... eso es realmente interesante porque los datos que recopilan son todas las imágenes que los seres humanos han creado. Estamos exhibiendo nuestro subconsciente, que regresa a nosotros a través de estas imágenes. Por eso son tan convincentes, porque realmente somos nosotros en gran medida. Creo que el artista humano se va a volver más importante”, subraya.

ee (afp)

Un hombre de 33 años está acusado de un delito. Es arrestado, torturado y muere en una cruz. Sus seres queridos, incluida su madre, se ven obligados a presenciar su tortura, sin poder intervenir. Un testigo describe personal y vívidamente el capítulo más oscuro de la historia del cristianismo, el evangelista Juan, amigo íntimo de la víctima.

Así se podría resumir el tema de la Pasión según San Juan, de Johann Sebastian Bach. La composición, junto con la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven, es considerada por muchos como una de las mejores obras de música europea jamás escritas.

"Los temas atemporales hacen que esta obra sea tan actual y universal", dice Michael Maul, investigador de Bach y director del Festival Bach de Leipzig. "Amor y compasión. Lidiar con la traición, con el dolor. No es necesario ser un cristiano devoto, ni siquiera un luterano, para sentir eso", explica.

Semana Santa hace 300 años

Viernes Santo, 7 de abril de 1724. Fue la primera Semana Santa que Bach, de 39 años, pasó en Leipzig. Un año antes se había mudado a la ciudad sajona con su segunda esposa Anna Magdalena y los cuatro hijos de su primer matrimonio. Había asumido el cargo de "Thomaskantor", convirtiéndose en director de los 54 niños del coro de la iglesia de San Tomás. Fue un trabajo desafiante que no siempre fue gratificante.

Para los habitantes de Leipzig, Bach, que era conocido como el exmaestro de capilla de la cercana ciudad de Köthen, no era en absoluto su primera opción. "Si no puedes conseguir a uno de los mejores, no queda más que recurrir a alguien en el medio", fue un comentario decepcionado del ayuntamiento.

Pero Bach era ambicioso y estaba decidido a demostrar su valor presentando una nueva composición durante la Semana Santa, el evento musical central del año eclesiástico. Esta música de Viernes Santo se tocaba después del "tempus clausum", un período de abstinencia musical que dura todo el período de Cuaresma. Era la única época del año en la que el Thomaskantor podía aprovechar todas las fuerzas musicales de la ciudad, que por lo demás estaban repartidas en las cuatro iglesias principales de Leipzig.

Las reacciones siguen siendo un misterio

Pero a pesar de la gran atención que Bach ha despertado en Leipzig a lo largo de los siglos, poco se sabe sobre cómo fue recibida su obra por el público de entonces. "Aún no hemos encontrado ningún testigo contemporáneo que realmente haya desentrañado y escrito lo que sentía ante esta obra maestra", afirma Maul. Y por supuesto, no hay grabaciones de audio. "De lo contrario, algunas cosas podrían sorprendernos: la estética sonora, los tempos".

Algunos oyentes pueden haberse sentido abrumados por la música dramática y a veces agresiva de Bach. También se puede suponer que la congregación estaba agotada cuando todo terminó. Con sermones y otros "interludios de textos", todo duró casi cinco horas.

La Pasión según San Juan y la actualidad

El Viernes Santo del 10 de abril de 2020, Leipzig se encontraba en medio de la pandemia de coronavirus. Una representación de la Pasión estaba fuera de discusión en cualquier parte del mundo. Sin embargo, el Festival Bach de Leipzig hizo historia al desarrollar un proyecto artístico único con un pequeño grupo de mentes creativas. A la hora de la muerte de Jesús, las 03:00 p.m., se interpretó una versión con música de cámara de la Pasión según San Juan ante la tumba de Bach, en la iglesia de San Tomás. Se transmitió en vivo y se invitó a la comunidad mundial de Bach a cantar. El video recibió millones de visitas.

La atención se centró en los creadores del proyecto: el percusionista Philipp Lamprecht, la clavecinista Elina Albach y el carismático tenor islandés Benedikt Kristjansson. También participó Steven Walter, director artístico del Beethovenfest Bonn, a quien se le ocurrió la idea de la Pasión como trío. Aunque la música de Bach a veces perdía su colorido en esta forma reducida, el mensaje de la Pasión se transmitía con mayor claridad.

La Pasión según San Juan contada de nuevo

Desde entonces, el exitoso proyecto se ha presentado más de 50 veces en diversos lugares. "Creo que la Pasión según San Juan sigue siendo una obra que incluso 300 años después de su estreno tiene mucho que decirnos y cada vez suena diferente", dijo Albach a DW. "En cada actuación, en cada concierto, tenemos la sensación de contar la historia de nuevo".

Lo mismo ocurrió durante la Semana Santa de 2022, cuando las imágenes de Bucha en Ucrania conmocionaron al mundo. "Ese día tocamos la Pasión según San Juan", recuerda Albach. "Y de repente, los recitativos y los textos de la crucifixión sonaron como reportes periodísticos o noticias que nos llegaban en vivo desde Ucrania por cable, por así decirlo".

(rr/dzc)