Si quieres entender el mundo, no necesariamente tienes que recorrerlo. Fue Immanuel Kant (1724-1804) quien lo demostró. Este 22 de abril se celebra el tricentenario de su nacimiento. 

El filósofo alemán nunca abandonó su tierra natal en Prusia oriental, Königsberg (hoy Kaliningrado, un enclave de Rusia, entre Polonia y Lituania). Pero su comprensión del mundo no se quedó atrás: sus ideas revolucionaron la filosofía y lo convirtieron en un pionero de la Ilustración, que sigue siendo relevante frente al cambio climático o a las múltiples guerras y crisis de nuestro tiempo. 

La idea de las Naciones Unidas y de una ciudadanía cosmopolita

En 1795, en su ensayo "La paz perpetua", Kant recomendó una "federación de naciones" como comunidad federal de Estados republicanos. Según Kant, la acción política debería guiarse siempre por la ley moral. Después de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), su obra se convirtió en el modelo para la fundación de la Sociedad de las Naciones, precursora de las Naciones Unidas, en cuya carta dejó su huella.

Además del derecho internacional, Kant también trabajó en la idea del derecho de ciudadanía mundial. Al hacerlo, rechazó el colonialismo y el imperialismo, formulando ideas para un trato humano a los refugiados. Según él, toda persona tendría derecho de visita en cualquier país, aunque no necesariamente derecho a recibir hospitalidad como residente.

A favor de la razón y la argumentación

Kant no basó la dignidad y los derechos humanos -religiosamente- en Dios, sino -filosóficamente- en la razón. Confiaba mucho en la gente. Nos creía capaces de asumir responsabilidad por nosotros mismos y por el mundo. Y de dominar la vida con razón y argumentos.

Formuló una regla básica: "Obra de manera que la máxima de tu voluntad pueda ser considerada en cualquier momento también como principio de legislación general". Llamó a esto el "imperativo categórico", según el cual, sólo deberíamos hacer lo que sea por el bien de todos.

En 1781, Kant publicó la que probablemente sea su obra más importante: su "Crítica de la razón pura". Allí planteó las cuatro preguntas fundamentales de la filosofía: ¿Qué puedo saber? ¿Qué debo hacer? ¿Qué puedo esperar? ¿Qué es el ser humano? 

Su búsqueda de respuestas a estas preguntas se denomina epistemología. En su tratado, diferencia de muchos filósofos que le antecedieron, explica que la mente humana no puede responder a preguntas como la existencia de Dios, el alma o el origen del mundo.

Pionero de la Ilustración

Las enseñanzas y escritos de Immanuel Kant sentaron las bases de una nueva forma de pensar, posicionándolo como un pionero de la Ilustración. Este movimiento intelectual, que surgió en Europa a finales del siglo XVII, declaró que la razón humana (racionalidad) y su uso correcto eran la norma para todas las acciones. 

En sus escritos, Kant llamaba a desprenderse de cualquier instrucción (como los mandamientos de Dios) y a asumir la responsabilidad de nuestras propias acciones. De él también proviene esta famosa frase: "Lo que no quieras que te hagan a ti, no se lo hagas a nadie más".

Contra el colonialismo y la esclavitud

Todavía hoy circulan numerosos juicios y prejuicios sobre Kant. El filósofo alemán Otfried Höffe ha puesto a prueba algunos, incluida la afirmación de que era un "racista eurocéntrico" y un misógino.

En ambos casos caso, su respuesta es: "Sí, pero...". Pues Kant condenaba el colonialismo y la esclavitud, y era personalmente un "maestro elegante" con las mujeres. Pero estaba "sujeto a los prejuicios de su tiempo" y, en algunos de sus escritos hay pasajes muy cuestionables, a veces contradictorios, que discriminan a todas las mujeres y niegan cualquier talento a "negros" o "indios amarillos", ha escrito Höffe en el Neue Zürcher Zeitung.

Celebración de Kant

Muchos actos conmemorarán a Kant y su legado en 2024, también en Alemania. En junio se celebrará en Berlín una gran conferencia académica, a la que seguirá en otoño un Congreso Internacional sobre Kant en Bonn, que en principio estaba previsto en Kaliningrado, pero que no podrá celebrarse allí debido a la guerra de agresión rusa contra Ucrania. 

sd/suc/so//mw/rml (KNA/epd/dpa/nzz)

Tras recibir una fetua, una condena islámica a muerte (también conocida como fatwa), que se le impuso hace más de 30 años, Salman Rushdie se refugió en la clandestinidad. Sin embargo, nunca quiso permanecer en silencio. En su país de residencia, Estados Unidos, se sentía seguro, pero esto cambió el 12 de agosto de 2022.

Un asesino de entonces 24 años atacó a Rushdie con un cuchillo en un evento literario en Nueva York y le hirió gravemente. En aquel momento, Rushdie declaró en una entrevista con el diario alemán Die Zeit que había tenido mucha suerte. "Si el atacante me hubiera golpeado en cualquier otra parte del cuerpo, mi historia habría terminado". 

El escritor de 76 años y ganador del Premio de la Paz del Comercio Librero Alemán sigue luchando hoy con las consecuencias: Es ciego de un ojo y ya no puede mover una mano.

Rushdie: "Mi respuesta a la violencia es el arte"

El libro "Cuchillo: Meditaciones tras un intento de asesinato" (en inglés: "Knife. Meditations After an Attempted Murder"), que se publica en 15 países, es su forma de "asumir lo sucedido y responder a la violencia con arte", explicó Rushdie en un comunicado de su editorial Penguin Random House, que anuncia "una historia sobre el miedo, la gratitud y la lucha por la libertad y la autodeterminación".

Rushdie ya había hablado con la revista estadounidense The New Yorker sobre sus planes de escribir un libro sobre el atentado, en febrero de 2023. Sin embargo, quería escribir la historia en primera persona. 

"Si alguien te apuñala con un cuchillo, es una historia en primera persona". No es el libro más fácil del mundo, pero tenía que escribirlo y afrontar el ataque para poder volver a centrar su atención en otras cosas. "No puedo simplemente escribir una novela que no tenga nada que ver con eso", dijo en la larga entrevista. Es lo mismo que sintió en los años inmediatamente posteriores a la fetua.

La fetua no ha sido anulada

La fetua fue emitida en febrero de 1989 por el ayatolá Ruhollah Jomeini, entonces guardián supremo de la fe islámica en Irán, como respuesta al libro "Los versos satánicos". 

Por ello, impuso la pena de muerte a Rushdie y a todos los implicados en la publicación del libro. Desde entonces, el escritor ha estado en constante peligro de ser atacado por extremistas islamistas, pero Rushdie nunca quiso ceder al miedo.

El atacante de agosto de 2022 lo tuvo fácil en el evento cultural donde cometió el delito, ya que las medidas de seguridad eran prácticamente inexistentes. El agresor fue posteriormente detenido y rechazó la acusación de intento de asesinato, declarándose inocente.

El juicio contra él debería haber comenzado en enero de 2024. Sin embargo, la defensa había declarado que su cliente tenía derecho a ver el manuscrito del libro como posible prueba. Una nueva fecha para el inicio del juicio no se ha establecido todavía.

Después de que su última novela "Victory City" se publicara en abril de 2023, "Cuchillo" es ahora el decimosexto libro de Salman Rushdie. Se publicará el 16 de abril de 2024. 

(rml)

La película 'Back to Black', que cuenta la historia de Amy Winehouse a través de la propia mirada de la artista e incluye, entre sus personajes, al barrio londinense de Camden, donde ella residió, se estrenó este fin de semana en el Reino Unido.

El largometraje dirigido por Sam Taylor-Johnson ('50 sombras de Grey') se rodó por las calles y los canales de este distrito de Londres, que, según la cineasta, "formaba parte de la vida y del destino de Amy".

Para los productores era clave grabar la película allí, donde, según el productor musical Giles Martin, continúan conviviendo la belleza y la decadencia: "Creo que representa lo que Amy sentía; me gusta que soñara con el Carnegie Hall y el local Ronnie Scott's, pero en el fondo era una chica de Camden hasta la médula".

Siempre presente

En la capital británica es posible recorrer algunos de los sitios de la vida de una de las estrellas más emblemáticas del siglo XXI.

Así lo han hecho la pareja de Egea Amelie y Renard Timothe, que, desde Francia, viajaron para visitar Londres y aprovecharon para hacerse una foto con un mural de la artista.

"Cada vez que uso lápiz de ojos me acuerdo de ella", dijo Amelie a EFE, en referencia al característico maquillaje de la cantante.

También desde el país galo viajó a la capital británica el estudiante de ventas Maxime Loisel, quien, de paseo por Camden Town, se fotografió con la estatua conmemorativa de bronce de Amy Winehouse, creada por Scott Eaton en 2014.

Reconoce a Amy Winehouse, de la que admira su voz, como "una persona relevante en Camden", destacando, para él, algunas de sus canciones más populares, como 'Rehab' o 'Back to Black'.

Lugares emblemáticos 

Otro de los lugares representativos de la vida de la artista es el pub The Hawley Arms. Allí cantó algunas de sus canciones en 2010, en una actuación inesperada después de dos años sin subirse a los escenarios, como publicó entonces la BBC.

Justo detrás, hay un gran mural en el que la cantante londinense aparece representada en un grafiti firmado por el artista JXC.

La casa de Amy Winehouse en el número 30 de Camden Square también se convirtió en un lugar de culto para los admiradores de la cantante, donde aún permanecen las ofrendas en tributo de la artista alrededor de uno de los árboles frente a su antiguo domicilio.

En los muros de la entrada también hay numerosas marcas de pintalabios en forma de besos, al lado de mensajes como "Descansa en paz, querida", "Te quiero, Amy" o "Un beso al cielo".

Además, por todo el barrio, muchos artistas han querido dejar su particular homenaje en forma de arte callejero, como en la esquina de Bayham Street y Pratt Street, en uno de las paredes altas enfrente de Nemesis Tattoo en Stucley Place, o uno de los más recientes bajo el puente del metro de Londres de Camden, en la entrada del mercado.

ee (efe, The Guardian)

(para 4 personas)

 

Tartar de pescado: 

400g de filete de pescado de mar 
2 limones
2 chalotas  
1 zanahoria  
100g de pepino 
150 ml de leche de coco  
7g de jengibre fresco 
1 diente de ajo 
Sal y pimienta 

 

• Se recomienda meter el pescado fresco en el congelador unos 30 minutos antes de su preparación; de este modo se corta mejor y es más higiénico.
• Limpiar los filetes de pescado y retirar las espinas. Aclararlos rápidamente con agua fresca y secarlos con papel de cocina. A continuación, se cortan en dados no muy grandes.
• En un recipiente, se exprime el zumo de los limones. Se introduce el pescado aderezado con un poco de sal y se deja macerar al menos 20 minutos. Remover de vez en cuando mientras se deja descansar en la nevera.
• Mientras, se pelan las chalotas y se cortan en tiras muy finas. Se corta la zanahoria en bastoncillos finos y el pepino sin pelar, en dados. Reservamos.
• Se saca el recipiente de la nevera, se añade la leche de coco y se condimenta con ajo y jengibre rallados.
• Finalmente se incorporan el pepino, las chalotas y la zanahoria, se rectifica el aliño si es necesario y se sazona con sal y pimienta.
• Servir en un pequeño bol o recipiente. 

 

Arroz aromático:

200g arroz jazmín
350-400ml de agua tibia
Sal
 

• Poner el arroz basmati en un colador y enjuagar con abundante agua fresca. 
• En una cacerola se pone el agua a calentar; cuando rompa a hervir se incorpora el arroz y un poco de sal.
• A continuación, se reduce el fuego y se sigue cociendo a fuego lento con la tapa cerrada (aprox. 10 minutos) hasta que se absorba el agua. 
• Añadir un poco más de mantequilla si se desea y remover con cuidado.  
• Dejar reposar en caliente una media hora antes de servir. 

 

 

Chips de verduras:

1 zanahoria
1 chirivía
1 pastinaka
1 remolacha
1 papa
1 raíz de perejil
Aceite y sal

 

• Se pelan todas las hortalizas; si son de cultivo biológico simplemente hay que lavarlas bien frotando con un cepillo si es necesario.
• Se tallan en láminas muy finas con una mandolina o un pelador (2 mm), ya que con un cuchillo llevaría demasiado tiempo.
• Se secan bien con un papel de cocina.
• Se meten en un bol y se condimentan con unas gotas de aceite de oliva, sal y pimienta y se remueve. También puede poner un poco de nuez moscada o curry.
• Se extienden sobre una bandeja de hornear forrada con papel vegetal.
• En función del horno y el grosor de los vegetales puede variar el tiempo, pero se dejan unos 15 minutos vigilando para que no se quemen. 
• Una vez se hayan deshidratado, quedan bien crujientes. Se sacan del horno y se dejan enfriar.
• Junto con el tartar de pescado y el arroz, son un acompañamiento perfecto, pero también un aperitivo tomado como snack.

 

iBuen provecho!

Mozart se quejaba en una carta de que se le considerara un prodigio, cuando lo cierto era que, decía, nadie en el mundo había trabajado más la técnica musical que él. En otra, destacaba su predisposición al trabajo frente a la ociosidad y lamentaba haber pasado catorce días sin escribir una sola nota. "Pero no por pereza o dejadez, sino porque me era imposible". Y eso que es uno de los compositores más prolíficos y creativos de la historia de la música. Pero, ¿qué es la creatividad?

"Es crear, crear algo nuevo", afirma el artista Cristóbal Toral, para quien "la creatividad procede de una vocación". Una vocación inicial que "es un misterio" y que, en su caso, fue la pintura. Luego hacen falta capacidades, explica en entrevista con DW, y preparación... pero esta no basta. "Porque se puede pintar muy bien, pero no aportar nada". "La creatividad, en definitiva, es una lucha constante en la que tienes que estar muy alerta" y "con ganas de innovar y de renovarse", resume.

Toral, uno de los pintores españoles en activo más reconocidos, también ha vivido "momentos de bloqueo y momentos difíciles". "Pero claro, eso se resuelve pintando, pintando y equivocándote sobre el lienzo, y así van surgiendo las cosas... como decía Picasso, la inspiración te debe pillar trabajando".

"Yo me acuerdo cuando Botero, que era muy amigo, me invitaba en verano a su barco. Un día le dije: 'Pero Fernando, ¿ tú has visto la maravilla de barco que tienes, su diseño...? ¡Esto es una belleza, una obra de arte!'... Y él se reía", rememora, aunque el recientemente fallecido escultor colombiano acabó dándole la razón.

"Quiero decir con esto que la creatividad se expresa no únicamente en el arte, sino en infinidad de cosas", afirma Toral, declarándose un "apasionado del diseño" y citando ejemplos que van de los tapacubos de un automóvil a las actuales cafeteras.

La principal investigadora de la creatividad es la psicóloga estadounidense Teresa Amabile, que no enseña en una escuela de arte sino en la Harvard Business School, la escuela de negocios más prestigiosa del mundo. Sus investigaciones, que abarcan más de cuarenta años de experimentos clínicos y observaciones en sectores como el de las nuevas tecnologías, se centran actualmente en la forma de potenciar la creatividad en el entorno laboral. Empresas como Pixar o Apple la han invitado para explicar sus ideas, así como el Foro de Davos. Antecedentes ilustres no le faltan.

Más de mil inventos y más de mil intentos

Para ilustrar el surgimiento de una idea se suele recurrir a una bombilla. No es por casualidad. Fue un invento de Thomas Alba Edison, quien registró a lo largo de su vida profesional más de mil patentes. Cuando lo presentó en 1879, llevaba más de un año investigando y dijo haber hecho más de mil intentos. Le preguntaron si no se había desanimado después de tanto fracaso y respondió que no había habido ningún fracaso, que simplemente había aprendido mil formas de cómo no hacer una bombilla.

"Gran parte de los frenos a la creatividad surgen de los convencionalismos sociales, los prejuicios y estereotipos, los propios aprendizajes previos, los sistemas educativos repetitivos y memorísticos, la tendencia a la conformidad, la inseguridad y el miedo al rechazo, al fracaso o al ridículo", enumera el psicólogo Guillermo Ballenato Prieto. "La crítica suele ser un gran enemigo de la creatividad, conviene reducirla en las organizaciones, así como limitar en lo posible las sanciones cuando se comete algún error", aconseja en entrevista por correo electrónico con DW.

Edison, por ejemplo, ademásde contar con otros trucos creativos, trataba de fomentar la creatividad de sus empleados e imponía una cuota a su taller de un descubrimiento menor cada diez días y uno mayor cada seis meses.

Es uno de los ejemplos que pone Ballenato en los cursos para desarrollar la creatividad que ofrece en la Universidad Carlos III de Madrid. El objetivo de Edison era que todos sus empleados asumieran el reto. Uno de sus alumnos más adelantados, Henry Ford, aprendió de sus técnicas organizativas y acabó convirtiéndose en uno de los industriales más importantes de Estados Unidos como fundador de la automotriz Ford. "Sentir que podemos superar las adversidades nos ayuda a superarlas", afirma Ballenato. Ford lo expresó con otras palabras en una de sus declaraciones más citadas.

Amabile cuenta que, cuando empezó a abordar la creatividad como tema de estudio, las investigaciones se centraban en la personalidad del genio y no en el trabajo que hay detrás, pero que, en realidad, la gente corriente también puede ser creativa, incluidos los niños. Ballenato sigue esa línea.

"Se puede entrenar la mente para desarrollar la creatividad", sostiene. "Es una gimnasia mental que puede incorporar varias estrategias. Entre ellas, destacaría el valor de romper con los hábitos, dar un voto de confianza a lo absurdo, mirar más allá de lo aparente, ampliar la perspectiva, investigar y enriquecer la mente con nuevas informaciones, llevar un registro de ideas…".

Al igual que Amabile, Ballenato destaca la importancia de la motivación y la colaboración en equipo. "Con el intercambio de ideas, se produce una fertilización cruzada que se nutre de nuevas informaciones, perspectivas, relaciones y asociaciones de ideas", afirma. Así como la de la organización del trabajo: "Las estructuras más horizontales e igualitarias suelen potenciar más la creatividad que las jerarquías excesivamente verticales", resume. "En paralelo, es necesario premiar la iniciativa, las aportaciones y las ideas", añade.

"El buen clima de trabajo y la alta motivación son excelentes catalizadores" para la creatividad, dice. También recomienda desconectar y, en cierto sentido, vagabundear, para superar los bloqueos. En estos casos, Cristóbal Toral busca inspiración en la naturaleza y su ilimitada diversidad. "No hay dos verdes iguales ni hay dos hojas iguales", dice el pintor con admiración. "La creatividad implica inconformismo, apertura al cambio, 'ir más allá' de lo convencional. Es un estado de conciencia y, en definitiva, una actitud ante la vida", concluye Guillermo Ballenato.

(ms) 

Durante el vibrante festival de los carros en Ason, Katmandú, Nepal, el 9 de abril de 2024, la comunidad Newari llevó carros de las diosas Kankeshwori, Bhadrakali y Sankata, adornados con gorros de colores. Este evento anual, celebrado un día después del Ghodejatra, marca el fin del festival Pahan Chahre de tres días, uno de los festivales religiosos de Nepal celebrados con especial fervor en Katmandú.

En realidad, las casas de apuestas habían apostado por la cantante británica Olivia Newton-John. Ya era una estrella en aquel momento y la clara favorita. La cantante Gigliola Cinquetti, que ya había levantado el trofeo con Italia en 1964, también tenía buenas probabilidades. ¿Y Suecia? Este país nunca había ganado este concurso. Y nadie creía que eso fuera a cambiar.

El grupo Abba era desconocido fuera de su país. El año anterior ya habían intentado imponerse en Eurovisión con Ring Ring, pero fracasaron en la ronda preliminar. En 1974, todo salió bien. En el "Melodifestivalen", como se conoce a la ronda preliminar sueca, el cuarteto ganó con la canción Waterloo y se le permitió viajar a Inglaterra para representar a Suecia. El resto es historia de la música.

El Waterloo de Napoleón como canción de amor

32 países participaron en el certamen, que en ese momento todavía se llamaba Grand Prix Eurovision de la Chanson. Cuando se anuncia la actuación de Abba como la octava de un total de 17 esa noche, entra en escena un hombre vestido de Napoleón, su nombre: Sven-Olof Walldoff. Él dirigió la canción que haría mundialmente famosa a Abba. Le seguireron Benny Andersson, Björn Ulvaeus, Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad con ropa brillante, pantalones de terciopelo y zapatos de plataforma muy altos.

La canción fue escrita por el manager de la banda Stikkan "Stig" Anderson, quien se la tarareó a Björn y Benny por teléfono y ellos compusieron la música en un lugar apartado en la naturaleza de la isla sueca de Viggsö. Esta trataba de amor: rendirse como lo hizo una vez el general francés Napoleón en la batalla de Waterloo. Además de esta canción, la banda también pensó en el título "Hasta mañana", pero Stig respondió: "Déjenme a mí decidir qué canción debemos usar. Si todo sale mal, pueden matarme después". No se tuvo que matar a nadie, al contrario, Abba ganó el concurso musical con 24 puntos, por delante de Italia, con 18.

Apuesta de 120 libras

Para Anderson, la victoria no era el objetivo más importante. Quería presentar Abba a unos 500 millones de espectadores y luego vender muchos discos. Aun así, tenía esperanzas y apostó 120 libras por la victoria.

La canción no duró más de dos minutos y 45 segundos, y después de 90 minutos Abba fue declarado ganador del gran premio. Pero la ceremonia de premiación se retrasa porque un trabajador del evento no quiso dejar subir a Björn Ulvaeus al escenario, no podía creer que el hombre del extraño traje brillante estaba participando en el concurso. En retrospectiva, esto es comprensible para el sueco. "Nadie ha subido nunca al escenario con un aspecto tan feo y mal vestido como el nuestro", admite.

"Waterloo” arrasa en las listas

Inmediatamente después del Grand Prix Eurovision de la Chanson en Brighton, "Waterloo" se lanza como sencillo en 54 países y alcanza el top 10 de las listas en casi 20 de ellos. En Alemania y Reino Unido, Abba consigue que "Waterloo" sea el primer gran éxito de muchos que le seguirían. La canción se grabó en sueco, inglés, alemán y francés, y se convirtió en un éxito de ventas. El sencillo vendió más de cinco millones de copias. En 2004, la canción alcanzó el número 20 en las listas británicas cuando se reeditó con motivo de su 30 aniversario. El 22 de octubre de 2005, "Waterloo" fue elegida mejor canción de la historia del concurso, en la 50 edición de Eurovisión.

Abba eterna, incluso virtualmente

Al principio, se pensaba que los suecos eran una maravilla de un solo éxito, cuya fama pronto se desvanecería, Anderson relató más tarde. Pero se equivocó. En los años siguientes, Abba vendió 400 millones de discos y consiguió 17 grandes éxitos, entre ellos The Winner Takes It All, Dancing Queen, Thank You For The Music y Gimme, Gimme, Gimme. También produjo el musical Mamma Mia, que se representa con éxito desde hace más de 20 años. El hecho de que el grupo se disolviera en 1982 no afectó su éxito. Por décadas, los fanáticos esperaron un regreso, y en 2021 había llegado el momento. Los suecos regresaron con el álbum Voyage y un concierto virtual, llamado ABBAtare. Y, por supuesto, Waterloo volvió a estar en su lista de canciones.

(ct/rr)

Un visitante asiste a la vista previa para los medios de comunicación de la exposición "Del corazón a las manos: Dolce & Gabbana" en el Palazzo Reale, en Milán Italia. Entre el 7 de abril y el 31 de julio de 2024, el evento será una exploración inmersiva en la narrativa detrás de las colecciones de alta costura de la afamada firma de moda.

 (para 6 personas)

 

Relleno de camarones:

500 g de gambas frescas  
3 tomates 
2 cebollas
2 tallos de apio 
2 dientes de ajo  
4 cdas de aceite de oliva   
2 cdas de mantequilla  
300 ml de leche  
3 cdas de fécula de maíz  
1 ramillete de perejil fresco 
Sal y pimienta
Azúcar

 

• Eliminar la cabeza, cáscara e intestino de los camarones.
• Lavar las gambas.
• Calentar la mitad del aceite de oliva en una sartén caliente.
• Saltear las gambas con la mitad del ajo picado. 
• Retirar y reservar.  
• Picar las cebollas y el apio.
• En la misma sartén y con el aceite de oliva restante, dorar las cebollas, el apio y ajo durante unos cuatro minutos.
• A continuación, añadir los tomates cortados en dados.
• Seguir cociendo a fuego lento y añadir un poco de agua, si es necesario.  
• En un recipiente aparte, mezclamos la fécula de maíz y la leche con un batidor.
• Se incorpora y se deja cocinar a fuego lento otros cuatro minutos más sin dejar de remover hasta que espese.
• Retirar del fuego y añadir los camarones y el perejil picado.
• Salpimentar y reservar. 

  

  

Relleno de verduras:

400 g de puerro 
1 tallo de coliflor 
2 zanahorias
4 cdas de aceite de oliva   
1 cebolla 
2 dientes de ajo  
Tomillo u orégano  
1 taza de agua  
3 cdas de queso crema   
3 cdas de nueces
1/2 taza de perejil fresco 
Sal y pimienta  

 

• Lavar y picar el puerro, la coliflor y las zanahorias. 
• En una sartén grande, calentar el aceite de oliva.
• Saltear primero la cebolla  picada y luego el ajo.
• Añadir el puerro, la coliflor y las zanahorias y un poco de agua.
• Saltear hasta que las verduras estén al dente.
• Incorporar el queso crema y las nueces.
• Salpimentar y añadir las hierbas frescas.

  

  Masa de garbanzos:  

2 latas de garbanzos cocidos  
3 cdas de fécula de maíz 
3 cdas de aceite de oliva  
Sal y pimienta  

 

• Triturar los garbanzos en un procesador de alimentos junto con la fécula de maíz hasta obtener una pasta suave.
• Añadir el aceite de oliva y salpimentar.  
• Cubrir la superficie de los moldes con aceite.
• Forrar los moldes con una capa de masa no demasiado fina.
• Reservar el resto de la masa.
• Hornear en un horno precalentado a 200 °C durante unos 10 minutos.  

    

Para pincelar: 

 2 yemas de huevo  
 3 cucharaditas de agua

 

• Precalentar el horno a 180°C. 
• Rellenar los recipientes precocidos con los dos rellenos y cubrir con el resto de la masa.   
• Pincelar la superficie con una mezcla de yema de huevo y agua
• Hornear las cazuelas durante unos 30 minutos hasta que se doren.  

 

 Servir aún calientes, acompañadas de ensalada y decoradas con hierbas y flores comestibles.

 

¡Buen provecho!

 

Nunca es realmente el final del camino para Kiss. El cuarteto de hard rock ha vendido su catálogo, marca y propiedad intelectual a la empresa sueca Pophouse Entertainment Group en un acuerdo estimado en más de 300 millones de dólares.

No es la primera vez que Kiss se asocia con Pophouse, cofundada por Björn Ulvaeus, de ABBA. Cuando la formación actual de la banda (fundadores Paul Stanley y Gene Simmons, así como el guitarrista Tommy Thayer y el batería Eric Singer) subió al escenario en la última noche de su gira de despedida en diciembre pasado en el famoso Madison Square Garden de Nueva York, terminaron mostrando hologramas de sí mismos.

Esta tecnología de punta fue creada por la empresa de efectos especiales de George Lucas, Industrial Light & Magic, en colaboración con Pophouse. Ambas empresas se unieron recientemente para el espectáculo "ABBA Voyage" en Londres, en el que los fans pudieron asistir a un concierto completo de la banda sueca en sus mejores tiempos, interpretado por sus propios avatares digitales, u hologramas.

Hasta ahora no se ha anunciado cómo se utilizarán los hologramas de Kiss, pero Per Sundin, CEO de Pophouse, anticipó a los fans que estén pendientes pues vendrá una película biográfica, un documental y una experiencia temática de Kiss próximamente.

El espectáculo holográfico está previsto para la segunda mitad de 2027, pero no esperen que se parezca en nada a "ABBA Voyage", dijo Sundin a la AP. Y los fans pueden esperar que empiece en Norteamérica, anticipó.

Sundin agregó que el objetivo es exponer a Kiss a las nuevas generaciones, lo que, en su opinión, distingue a Pophouse de otras adquisiciones de catálogos musicales.

"Las discográficas, las tres grandes que quedan, hacen un trabajo fantástico, pero tienen muchos catálogos y no pueden concentrarse en todo", dice. "Trabajamos con Universal (Music Group) y Kiss, y aunque seamos propietarios de los derechos de los artistas, lo hacemos conjuntamente con Kiss. Pero sí, compramos todos los derechos, y eso no es algo que haya visto tan claro antes".

"No me gusta la palabra adquisición", dice Gene Simmons a AP a través de Zoom, asegurando que la banda nunca vendería su catálogo a una compañía a la que no le tuviesen cierto aprecio.

"La colaboración es exactamente de lo que se trata. Hablamos todo el tiempo. Compartimos ideas. Es una colaboración. Paul (Stanley) y yo especialmente, con la banda, seguiremos comprometidos con esto. Es nuestro bebé", añadió.

Y dentro de eso: no más giras en directo, de verdad. "No vamos a girar de nuevo como Kiss, y punto", dice. "No vamos a ponernos el maquillaje y salir ahí fuera", dijo Simmons.

Kiss son la segunda inversión de Pophouse fuera de Suecia: en febrero, Cyndi Lauper entró en una asociación con la empresa que incluye la venta de la mayor parte de su música y un nuevo proyecto que ella denomina "obra de teatro inmersiva", en el que transporta al público al Nueva York en el que creció.

ee (ap, Pophouse)

James Cameron, el creador de éxitos cinematográficos como "Terminator", "Aliens" y "Titanic", fue uno de los pioneros del uso de nuevas tecnologías en el séptimo arte, pero en una entrevista con la AFP en París dice que se ve a sí mismo como un "dinosaurio" porque aún le gusta el lápiz y el papel para imaginar sus historias.

"L'Art de James Cameron" es una exposición que se abre en la Cinemateca Francesa este jueves (04.03.2024), hasta enero. El visitante puede contemplar los bocetos que Cameron ha elaborado desde su infancia hasta la saga "Avatar".

El dibujo lo era todo

"El dibujo era cómo procesaba el mundo. Leía, veía películas, absorbía toda la narración y luego simplemente tenía que contar la mía. Recuerdo muy claramente que a los ocho o nueve años fui a ver la película "La Isla Misteriosa". Me quedé asombrado por las grandes criaturas y el cangrejo gigante, pero cuando regresé a casa no dibujé "La Isla Misteriosa": dibujé mi propia versión con diferentes animales.”

"Recuerdo también que en la escuela secundaria me tomaba muy en serio la disciplina de dibujar en todo tipo de estilos diferentes. Creé mis propios cómics. Pensé que tal vez escribiría una novela y la ilustraría. Aún no existían las novelas gráficas, pero estaba pensando en viñetas... así que realmente estaba pensando en planos. La transición al cine fue bastante fácil”, afirma Cameron.

"(Mi primer dibujo de "Avatar") lo hice cuando tenía 19 años, así que hace 50 años. Ese dibujo me llevó a pensar en un mundo bioluminiscente y escribí una historia sobre ello a finales de los 70. A principios de los 90, cuando fundé una compañía de efectos visuales y estábamos tratando de hacer personajes y criaturas generados por computadora, necesitaba un guion sobre otro planeta, así que encontré ese trabajo artístico, y eso se convirtió en "Avatar" -- en 1995”, cuenta.

"La imagen de "Terminator" me vino en un sueño. Estaba enfermo, tenía mucha fiebre, y en ese sueño febril vi un esqueleto cromado emergiendo de un incendio. Lo dibujé de inmediato. Y luego pensé: "¿Cómo llegó ahí? ¿Cómo era antes?" E instintivamente supe que parecía humano antes del fuego.”

"Cuando era niño tenía sueños de pasar por túneles acuáticos a gran velocidad, como un sistema circulatorio, que terminaban en el abismo. Tuve una pesadilla sobre estar en una habitación donde las paredes estaban cubiertas de avispas que me matarían, y eso se convirtió en la escena de "Aliens" donde ella corre hacia la cámara de los huevos”, recuerda el cineasta canadiense.

Su postura frente a la inteligencia artificial

"El problema es que hay múltiples tipos de inteligencia artificial (IA), algunas de los cuales aún no han llegado. La inteligencia artificial general es una gran incógnita. Creo que definitivamente deberíamos frenar en ese campo”, dijo Cameron a la AFP.

"En términos de IA generativa... eso es realmente interesante porque los datos que recopilan son todas las imágenes que los seres humanos han creado. Estamos exhibiendo nuestro subconsciente, que regresa a nosotros a través de estas imágenes. Por eso son tan convincentes, porque realmente somos nosotros en gran medida. Creo que el artista humano se va a volver más importante”, subraya.

ee (afp)

Un hombre de 33 años está acusado de un delito. Es arrestado, torturado y muere en una cruz. Sus seres queridos, incluida su madre, se ven obligados a presenciar su tortura, sin poder intervenir. Un testigo describe personal y vívidamente el capítulo más oscuro de la historia del cristianismo, el evangelista Juan, amigo íntimo de la víctima.

Así se podría resumir el tema de la Pasión según San Juan, de Johann Sebastian Bach. La composición, junto con la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven, es considerada por muchos como una de las mejores obras de música europea jamás escritas.

"Los temas atemporales hacen que esta obra sea tan actual y universal", dice Michael Maul, investigador de Bach y director del Festival Bach de Leipzig. "Amor y compasión. Lidiar con la traición, con el dolor. No es necesario ser un cristiano devoto, ni siquiera un luterano, para sentir eso", explica.

Semana Santa hace 300 años

Viernes Santo, 7 de abril de 1724. Fue la primera Semana Santa que Bach, de 39 años, pasó en Leipzig. Un año antes se había mudado a la ciudad sajona con su segunda esposa Anna Magdalena y los cuatro hijos de su primer matrimonio. Había asumido el cargo de "Thomaskantor", convirtiéndose en director de los 54 niños del coro de la iglesia de San Tomás. Fue un trabajo desafiante que no siempre fue gratificante.

Para los habitantes de Leipzig, Bach, que era conocido como el exmaestro de capilla de la cercana ciudad de Köthen, no era en absoluto su primera opción. "Si no puedes conseguir a uno de los mejores, no queda más que recurrir a alguien en el medio", fue un comentario decepcionado del ayuntamiento.

Pero Bach era ambicioso y estaba decidido a demostrar su valor presentando una nueva composición durante la Semana Santa, el evento musical central del año eclesiástico. Esta música de Viernes Santo se tocaba después del "tempus clausum", un período de abstinencia musical que dura todo el período de Cuaresma. Era la única época del año en la que el Thomaskantor podía aprovechar todas las fuerzas musicales de la ciudad, que por lo demás estaban repartidas en las cuatro iglesias principales de Leipzig.

Las reacciones siguen siendo un misterio

Pero a pesar de la gran atención que Bach ha despertado en Leipzig a lo largo de los siglos, poco se sabe sobre cómo fue recibida su obra por el público de entonces. "Aún no hemos encontrado ningún testigo contemporáneo que realmente haya desentrañado y escrito lo que sentía ante esta obra maestra", afirma Maul. Y por supuesto, no hay grabaciones de audio. "De lo contrario, algunas cosas podrían sorprendernos: la estética sonora, los tempos".

Algunos oyentes pueden haberse sentido abrumados por la música dramática y a veces agresiva de Bach. También se puede suponer que la congregación estaba agotada cuando todo terminó. Con sermones y otros "interludios de textos", todo duró casi cinco horas.

La Pasión según San Juan y la actualidad

El Viernes Santo del 10 de abril de 2020, Leipzig se encontraba en medio de la pandemia de coronavirus. Una representación de la Pasión estaba fuera de discusión en cualquier parte del mundo. Sin embargo, el Festival Bach de Leipzig hizo historia al desarrollar un proyecto artístico único con un pequeño grupo de mentes creativas. A la hora de la muerte de Jesús, las 03:00 p.m., se interpretó una versión con música de cámara de la Pasión según San Juan ante la tumba de Bach, en la iglesia de San Tomás. Se transmitió en vivo y se invitó a la comunidad mundial de Bach a cantar. El video recibió millones de visitas.

La atención se centró en los creadores del proyecto: el percusionista Philipp Lamprecht, la clavecinista Elina Albach y el carismático tenor islandés Benedikt Kristjansson. También participó Steven Walter, director artístico del Beethovenfest Bonn, a quien se le ocurrió la idea de la Pasión como trío. Aunque la música de Bach a veces perdía su colorido en esta forma reducida, el mensaje de la Pasión se transmitía con mayor claridad.

La Pasión según San Juan contada de nuevo

Desde entonces, el exitoso proyecto se ha presentado más de 50 veces en diversos lugares. "Creo que la Pasión según San Juan sigue siendo una obra que incluso 300 años después de su estreno tiene mucho que decirnos y cada vez suena diferente", dijo Albach a DW. "En cada actuación, en cada concierto, tenemos la sensación de contar la historia de nuevo".

Lo mismo ocurrió durante la Semana Santa de 2022, cuando las imágenes de Bucha en Ucrania conmocionaron al mundo. "Ese día tocamos la Pasión según San Juan", recuerda Albach. "Y de repente, los recitativos y los textos de la crucifixión sonaron como reportes periodísticos o noticias que nos llegaban en vivo desde Ucrania por cable, por así decirlo".

(rr/dzc)

Oro, plata, esmeraldas: el tesoro del galeón San José vale hoy varios miles de millones de euros. Los restos del naufragio se encuentran a una profundidad de 600 metros frente a la costa colombiana. Colombia ahora quiere recuperar el tesoro, aunque aún no está claro a quién pertenece realmente. La situación jurídica es complicada. Y como aún quedan muchos objetos de valor a bordo esperando a ser descubiertos, el litigio legal marcará el precedente a seguir.

Muchos perdedores en un día

En junio de 1708, para financiar la Guerra de Sucesión Española, la guerra con Inglaterra que se libraba desde 1701, los españoles querían traer a la madre patria un total de 344 toneladas de monedas de oro y plata, así como 116 cajas de esmeraldas. Todo ello procedente de sus territorios americanos que, aunque legalmente se trataba de provincias, se administraron como colonias.

Por seguridad, el enorme tesoro se distribuyó entre varios barcos, incluido el galeón San José que con sus 64 cañones era el buque principal de la flota española en el Caribe. El San José iba escoltado por otros dos galeones y más de una docena de buques de guerra. No en vano, los barcos españoles tan ricamente cargados eran atacados periódicamente por corsarios ingleses u holandeses.

A unos 30 kilómetros del puerto de Cartagena de Indias, en la actual Colombia, cuatro buques de guerra británicos tendieron una emboscada a los españoles. Durante la batalla naval de casi diez horas, el San José se incendió. Antes de que los ingleses pudieran robar el valioso cargamento, el camarote con las reservas de pólvora explotó y el barco se hundió en muy poco tiempo, junto con su valiosa carga y la tripulación. Murieron 578 personas y sólo hubo 11 supervivientes. El tesoro no fue para nadie. Los ingleses lograron capturar un galeón y el otro regresó al puerto de Cartagena.

Perdido pero no olvidado

Su recuerdo permaneció flotando en la memoria, pero el precioso tesoro quedó escondido en algún lugar frente a la costa colombiana durante más de 270 años. La propia Colombia no estaba en condiciones de buscar el tesoro. Y así, en 1979, un empresario estadounidense financió una búsqueda privada del tesoro. De antemano, su empresa Sea Search Armada (SSA) firmó un contrato con el Estado colombiano que, de tener éxito, les garantizaría una parte considerable del tesoro.

Y los buscadores de tesoros pronto pudieron localizar los restos del naufragio y grabar las primeras, todavía modestas, imágenes. Pero en lugar de fama y dinero, sólo hubo arrestos y problemas. Colombia no reconoció el hallazgo, alegando que la empresa había buscado el tesoro ilegalmente y que no estaba claro si los restos del naufragio eran en realidad los del San José.

Tira y afloja legal

La empresa estadounidense presentó una demanda por incumplimiento de contrato y siguió una disputa legal que duró años. En 2007, un tribunal colombiano falló inicialmente a favor de la empresa SSA. Sin embargo, Colombia recurrió la sentencia en Estados Unidos y ganó el caso en 2011. Según el derecho marítimo internacional, todos los tesoros situados hasta 12 millas náuticas de la costa pertenecen al país respectivo. Pero, ¿tenía realmente jurisdicción este tribunal estadounidense?

Según la Convención de la UNESCO para la Protección de los Bienes en los Fondos Marinos, un hallazgo de este tipo pertenece en realidad al país de origen, en este caso al propietario del barco, España. Pero Colombia no ha firmado esta convención de la UNESCO.

En 2015, Colombia contrató a una empresa de salvamento estadounidense que pudo localizar los restos del naufragio cerca de la península de Barú a finales de noviembre de ese año e identificarlos inequívocamente por los distintivos de los cañones. En el vídeo se pueden ver claramente entre los restos los cañones decorados con delfines y caballos, monedas de oro y plata y otros tesoros como porcelana china. Desde entonces, se han hecho públicas nuevas imágenes del galeón.

Muchos reclaman el tesoro

El entonces presidente de Colombia, Juan Manuel Santos, reclamó el hallazgo para su país y que una vez recuperado el tesoro sea exhibido en un museo de Cartagena. Pero España y la empresa de salvamento SSA también siguen reclamando los objetos de valor como propios. Además, Bolivia también exige parte del tesoro para el pueblo indígena Qhara Qhara, a quien alguna vez les robaron oro, plata y esmeraldas.

Mucho dinero, muchos intereses. ¿Pero quién tiene derecho a qué? ¿España sólo tiene derecho a los restos, es decir, a la madera y los cañones, o también a la carga recogida? ¿Cambia algo que el oro y la plata "robados" se hayan convertido en monedas? ¿Esto cambia algo sobre el reclamo que Colombia o los pueblos indígenas tienen sobre el oro o la plata fruto de posibles saqueos? ¿Qué pasa, por ejemplo, con la porcelana china, que ciertamente no procede originalmente de las posesiones españolas? ¿Y qué pasa con el contrato entre la empresa de salvamento SSA y Colombia?

Situación jurídica complicada

El refrán "en los tribunales y en alta mar estamos todos en manos de Dios" pretende dejar claro que el curso y el resultado de los procedimientos judiciales son a menudo inpredecibles. Incluso aunque alguien tenga razón, eso no significa que se le dará la razón.

Desde la perspectiva moral actual, parece incomprensible por qué España debería ser recompensada por su antiguo saqueo en América del Sur. O por qué Colombia puede haberse saltado lo acordado en un contrato o, simplemente, no reconoce acuerdos internacionales mientras, al mismo tiempo, aduce otras leyes internacionales.

Pero en los tribunales no se trata de moralidad, sino de derecho. Los tribunales deciden cada caso con base en las pruebas presentadas, los testimonios, los argumentos y la ley aplicable. Y dado que el caso que nos ocupa es complicado e implica mucho dinero, la disputa legal probablemente durará años. Sobre todo porque no está realmente claro qué ley se aplica y qué instancia puede decidir en última instancia el caso. Al parecer, no es el Tribunal Internacional del Derecho del Mar (TIDM).

¿Decisión en La Haya?

Por ello, la empresa de salvamento estadounidense SSA recurrió ante el tribunal de arbitraje de La Haya. La Corte Internacional de Justicia (CIJ) es el principal órgano judicial de las Naciones Unidas. Sin embargo, la CIJ es competente frente a disputas legales entre estados.

Y la del tesoro del San José no es una disputa entre estados. Por lo tanto, es posible que la Corte Internacional de Justicia no pueda admitir a trámite un caso que también ocurre entre empresas privadas o actores no estatales como son empresas de rastreo submarino y pueblos indígenas.

Colombia sigue adelante

Mientras todos los involucrados esperan ansiosamente un veredicto, Colombia está llevando a cabo nuevas acciones con el rescate. Podrían pasar años antes de que se emita un veredicto vinculante que luego pueda aplicarse también a muchos otros naufragios y barcos.

Sería necesario porque los nuevos métodos de localización han hecho que la búsqueda de tesoros sea mucho más segura, más eficiente y más lucrativa hoy en día. Y se dice que sólo frente a las costas colombianas hay más de doscientos restos de naufragios.

(lgc/mn)

Para la masa:

150 g de semillas de amapola  
80 g de nueces  
50 g de harina de trigo  
150 g de mantequilla blanda  
100 g de azúcar moreno    
80 g de nueces
4 huevos  
1 pizca de sal  
1 cdta de ralladura de limón

 

Preparación de la masa:

• Precalentar el horno a 180°C.
• Moler las semillas de amapola en un mortero o licuadora.
• Picar las nueces, mezclarlas con las semillas de amapola y reservar.  
• Separar la yema de las claras.
• Batir las claras de huevo con la mitad del azúcar hasta conseguir el punto de nieve y que esté firme.
• En otro recipiente aparte, batir la mantequilla blanda con la mitad restante del azúcar.
• A continuación, añadir de una en una las yemas de huevo .
• Agregar la harina tamizada y seguir batiendo hasta obtener una masa cremosa.
• Incorporar con cuidado la espuma de las claras sin remover demasiado.
• Agregar la mezcla de semillas de amapola y nueces.
• Mezclar con movimientos envolventes hasta formar una masa suave y homogénea.
• Forrar el molde con papel antiadherente y verter la masa dentro.
• Hornear 20-25 minutos en el horno precalentado.

 

Crema de yogur:

500 g de yogur  
110 g de azúcar
250 ml de nata  
7 láminas de gelatina  
2 limones
 

• Calentar el zumo de dos limones (100 ml) y agregar ralladura de limón.  
• Remojar la gelatina en agua helada durante al menos 10 minutos.
• Mientras tanto, batir la nata hasta que esté bien firme.
• A continuación, exprimir bien la gelatina y calentarla junta al zumo de limón hasta que se disuelva.
• Incorporar la gelatina disuelta con el zumo en la crema de yogur.
• Agregar la nata batida y remover con movimientos muy suaves hasta formar una crema suave y homogénea.
• Verter la crema de yogur sobre el pastel rodeado de una anillo ajustable para tartas.
• Refrigerar durante al menos 5 horas.  

  

Gelatina de fresa:

100 g de fresas u otra fruta   
3 láminas de gelatina  
2 cdas de azúcar   

 

• Triturar las fresas con el azúcar.
• Remojar la gelatina en agua helada durante al menos 10 minutos.
• Disolver la gelatina al baño María.
• Verter la gelatina en el puré de fresas o frutas y remover.
• Extender la mezcla sobre la crema de yogur ya dura y alisar.
• Refrigerar el pastel brevemente hasta que todo esté firme.

 

Emplatar:

• Retirar el anillo con cuidado.
• Cortar el pastel en porciones.
• Decoramos el pastel al gusto con flores, fruta o menta.

 

¡Buen provecho! 

Javier Capuano llegó a Berlín desde Argentina en 2021 y, en poco tiempo, junto a dos socios, creó algunas de las fiestas latinoamericanas más reconocidas de la ciudad, llenando mes a mes lugares como el Lido. De esta manera, abrió paso a las fiestas queer latinoamericanas. En diálogo con DW, Capuano habla de cómo es llevar estas empresas adelante.

"Me desilusionó la política”

Desde muy joven, Capuano trabajó como asesor de representantes republicanos en Argentina, hasta que un día dijo 'basta': "Es un trabajo de veinticuatro horas que te consume, pero lo hacés porque querés aportar a que cambien las cosas, pero, después de tanto tiempo, sentí que esto no iba a cambiar más”.

Del fútbol a la Furiosa

Cuando Capuano dejó su trabajo, aparecieron unos amigos que lo invitaron a sumarse al equipo de fútbol gay ‘Furia Rosa'. "Tenía treinta años y hacía como veintidós que no tocaba una pelota, pero ellos estaban en la misma. Lo más divertido era ir a comer un asado después de jugar y salir a tomar algo. Era casi religioso”. A los dos años de jugar, Capuano propuso hacer una fiesta para celebrar con el equipo: "Anduvo muy bien y, al año, decidí hacer la fiesta con fines comerciales”.

En 2017 es cuando arranca la fiesta gay "Furiosa” en Buenos Aires, que lo obligó a dejar el equipo porque coincidían los días. "Después me conseguí un equipo los lunes, porque hacer todo el mismo día ya a los treinta y pico no daba”. La "Furiosa” le dio un trabajo fijo, el cual le permitió mantenerse: "Mi intención era dedicarme a la organización de eventos, ampliando más allá de la comunidad LGBT+", pero la pandemia lo obligó a replantearse el norte: "Fue volver a cero”.

Berlín será una fiesta latinoamericana

El abuelo de Javier Capuano emigró a la Argentina desde Alemania en 1924: "Es curioso, porque la inflación durante la República de Weimar trajo a mi familia a Buenos Aires y, casi cien años después, yo volví a Alemania por la misma causa". Capuano llegó a Berlín en 2021 con una idea clara: continuar organizando eventos en Alemania: "Por medio de un amigo, me contacto con César y Matías, dos argentinos que estaban buscando armar una fiesta".

"Les expliqué lo que hacía y juntos empezamos a armar la ATR (A Todo Ritmo)". Especialmente para los sudamericanos, la ATR se ha vuelto una salida fija de todos los meses, siendo el evento latinoamericano con mayor crecimiento de la última década en la capital alemana, ya que pasó de albergar en promedio doscientas personas en 2021 a casi más de ochocientas en tan solo dos años.

Para Capuano, el éxito de la fiesta se explica, entre varios motivos, porque está hecha de manera amigable: "Hace que alguien que no es de Sudamérica se sienta parte para poder compartir nuestros valores culturales. Lo vemos como un trabajo a mediano plazo el de incluir a los demás en nuestra cultura".

La inclusión también se denota en la elección de la música: "Hay muchas canciones latinoamericanas, especialmente de los ochenta, que quizás en México las conocen por los Ángeles Azules y un argentino o uruguayo por ‘Los Palmeras'. Y también se suman muchos alemanes que hablan español y quizás nunca visitaron Latinoamérica, pero encuentran un pedacito de ella en la fiesta".

Escena queer latinoamericana en Berlín

Der Eigene fue una de las primeras revistas periodísticas de temática abiertamente homosexual del mundo que contó con escritores de la talla de Thomas Mann, comenzando en 1896 hasta su cierre en 1932. La revista, fundada por el berlinés Adolf Brand, fue pionera en una ciudad que ha sido, mayormente a lo largo de su historia, abierta y tolerante.

Con las oleadas migratorias latinoamericanas de los últimos cincos años aún no había una fiesta latina y queer en Berlín: "En los tres años que llevo acá, nunca pisé una fiesta electrónica. Furiosa como ATR nacen de nuestra necesidad de tener una fiesta propia y con la música que me gusta. En el caso de Furiosa, la idea es que se sienta como una fiesta gay tanto de Ciudad de México, de Bogotá o de Buenos Aires”.

La fiesta se celebra religiosamente todos los meses y, con el tiempo, Capuano y sus socios han creado otras variantes en la escena queer de Berlín, como Flinta exclusiva para mujeres, lesbianas, personas no binarias, intersex y transexuales y también abriéndole las puertas al público brasilero con ‘Pocland'.

En pocos años, los espacios para hispanoparlantes y amantes de esta cultura se ha incrementado exponencialmente en Berlín, atrayendo a personas de todos lados: "Para nosotros, la filosofía de vida de ser latino es celebrar con amigos bailando y cantando, y eso es lo que queremos compartir entre canción y canción. Creo que bailar es salud y felicidad, y ese es el espacio que queremos brindar a todos, sean latinos, españoles o de cualquier parte del mundo.” (ms) 

 

 

Para los museos de la ciudad ucraniana de Jersón, en el sur del país, la ocupación rusa ha tenido un impacto devastador. A principios de noviembre de 2022, colecciones enteras fueron sacadas del Museo de Arte de Jersón, del Museo de Historia Local, así como de los archivos estatales.

Entre los objetos robados, se encuentran lápidas de comandantes zaristas rusos e incluso los restos mortales del líder militar ruso Gregorio Potemkin, confidente de la emperatriz Catalina II y fundador de Jersón.

Las dimensiones del saqueo

Tras la liberación de la ciudad sureña por parte del Ejército ucraniano, el 11 de noviembre, fue posible apreciar las dimensiones del saqueo: al Museo de Arte le faltan casi 11.000 obras, más de tres cuartos de sus fondos.

Alina Dozenko, la directora de la institución, lamenta la pérdida de objetos, como los paisajes marítimos del pintor romántico Iván Aivazovski o el "Retrato de una dama con perro en el regazo", del artista inglés Peter Lely, que data del siglo 17.

Los ocupantes rusos llevaron las obras robadas al Museo Central de Táurica, en la península de Crimea, anexionada por Rusia en 2014. 

Con ayuda de fotos de redes sociales e imágenes de la televisión rusa, Dozenko y su equipo apenas han podido localizar 94 obras de arte. Desconocen el paradero y el estado del resto de los objetos.

Los más valioso

Por su parte, la directora del Museo de Historia Local, Olha Hontsharova, lamenta la pérdida de los tesoros más valiosos de su colección de 180.000 piezas. Asegura que los rusos se llevaron antiguas ánforas griegas, ornamentos de oro de nómadas de la estepa, armas medievales e íconos ortodoxos.

Hontsharova sostiene que, además, faltan importantes listas de las obras expuestas, así como documentos que prueben su valor histórico. De ahí que solo pueda calcular la cantidad de los objetos robados, unos 23.000.

La información sobre el destino de las colecciones de los museos en territorios que todavía se encuentran bajo ocupación rusa es aún más escasa. Por ejemplo, se desconoce a dónde fueron "evacuados" los fondos de museos y galerías de la ciudad Nueva Kajovka en noviembre de 2022.

En Mariúpol, todos los museos fueron destruidos durante el sitio. En abril de 2022, medios rusos informaron que solo había sido posible salvar una docena de obras de arte del Museo de Historia Local.

Investigaciones de las autoridades ucranianas

Desde comienzos de la invasión rusa, el servicio de inteligencia ucraniano SBU investiga el saqueo de los museos y el traslado de las obras de arte. Jewhen Rusinow, del SBU, asegura que hay una "red" detrás del robo de los objetos. "Sabemos que altos funcionarios rusos, así como miembros del Ejército forman parte de ella", dice.

De acuerdo con el vicefiscal general de Ucrania, Oleksij Chomenko, más de 40 museos han sido saqueados en los territorios ocupados por los rusos.

Hasta finales de año, el Ministerio de Cultura y Política de Información de Ucrania planea crear un registro de todas las colecciones en manos de las fuerzas enemigas. Con ayuda de esta información, se espera poder recuperar los tesoros de arte ucranianos después de la guerra.

(vt/ms)

 

El filósofo germano-israelí y antiguo empleado del servicio secreto Shin Bet ve errores cometidos por todas las partes en la guerra entre Hamás e Israel y ha lamentado lo que ha calificado de "fracaso catastrófico".

"Mis amigos palestinos saben que cualquiera que llame autodefensa a lo que mi país está haciendo ahora en Gaza está llenando de vergüenza mi identidad, la judía y la israelí", dijo Omri Boehm el 20 de marzo, durante su discurso de aceptación del Premio del Libro de Leipzig para el Entendimiento Europeo, recibido además con muchos aplausos. También calificó de " fracaso moral" que se llamara 'resistencia armada' a las masacres de Hamás del 7 de octubre.

Boehm se refirió especialmente a sus amistades judeo-palestinas. "La amistad ha sido siempre la prueba que nos ha protegido de un catastrófico fracaso de la hermandad y del mal uso de ideas abstractas sobre la resistencia armada y la autodefensa".

Considerado como un defensor de los derechos humanos que sueña con un Estado común para judíos y palestinos, Boehm recibió el premio, considerado uno de los galardones literarios más importantes de Alemania, por su libro Universalismo radical. Más allá de la identidad. En su justificación del premio, el jurado argumentó que Boehm defiende el núcleo del universalismo humanista, el compromiso con la igualdad de todas las personas, "frente a cualquier relativización". Esta posición quedó reflejada también en su discurso en Leipzig.

Sobre las postura de Alemania, Boehm dijo: "¿Qué pasa con la amistad germano-judía? Allí donde existe, es un verdadero milagro. Algo que me llega especialmente al corazón". Pero este milagro debe protegerse. No puede haber amistad judeo-alemana "si, en estos tiempos oscuros, no hay cabida para las difíciles verdades que deben decirse en nombre de la amistad judeo-palestina", dijo.

No sacrifiques la verdad en aras de la amistad

En el programa "Tagesthemen" de la cadena de televisión alemana ARD, Boehm volvió a promover su idea de una entidad federal en el territorio del actual Estado de Israel y los territorios palestinos. Esta idea no podría hacerse realidad en un futuro próximo. "Es un ideal de paz que podemos preservar", dijo.

La solución de los dos Estados, señaló, consiste a menudo en aplastar los derechos de una de las partes. En un orden estatal federal común, debe haber "una cierta separación", pero también una Constitución común, con igualdad de derechos. "Mientras la gente no tenga los mismos derechos, no habrá paz", sentenció.

Boehm defiende el universalismo y se opone a la política identitaria

En su escrito más polémico, Israel. Una utopía (2020), Omri Boehm califica el sionismo de "incompatible" con los valores humanistas y aboga por repensar la condición del Estado de Israel. En lugar de una solución de dos Estados, en su utopía habla de una federación israelo-palestina: un país para ambos pueblos.

Así mismo lo expresó en una entrevista para la revista alemana Der Spiegel tras los atentados terroristas del 7 de octubre: "Nos enfrentamos a una situación intolerable en la que es necesario hacer lo imposible. (...) Debemos encontrar propuestas para una solución política en el futuro. La única alternativa a la guerra ilimitada es el compromiso por una federación".

Agente del servicio secreto y estudiante modelo

Boehm nació en Haifa en 1979 y creció en el pequeño pueblo de Gilon, en la región de Galilea, al norte de Israel, "influido por una abuela judía-alemana culta y un abuelo judío-iraní consciente de sus tradiciones", como le citó una ocasión el la publicación Jüdische Allgemeine. Hizo el servicio militar con el servicio secreto israelí Shin Bet. Fue un alumno excelente y, gracias a eso, estudió en Tel Aviv dentro del Programa Interdisciplinario Adi Lautman para Estudiantes Sobresalientes. Se doctoró en la renombrada Universidad de Yale, en Estados Unidos (EE. UU), con una tesis sobre la crítica de Kant a Spinoza.

Sus vínculos con Alemania van más allá de su abuela. Durante sus estudios, pasó algún tiempo en Heidelberg y fue investigador postdoctoral en la Universidad Ludwig Maximilian de Múnich en 2010. Boehm también ha investigado en Berlín y posee la nacionalidad alemana e israelí. Actualmente reside en EE. UU, donde es profesor asociado de Filosofía en la New School for Social Research de Nueva York desde 2010.

(aa/ms)

 

Puede parecer extraño que lo diga una musulmana practicante, pero Joloud Jardoum, de 53 años y residente en Irak, lo tiene claro. "No todo el Ramadán tiene que ver necesariamente con la religión", afirma la escritora, afincada en Bagdad. "También tiene que ver con el ambiente y la tradición de gente que se reúne".

Irakes un país de mayoría musulmana, pero en las zonas donde conviven distintas comunidades religiosas, es frecuente encontrar a no musulmanes participando en las celebraciones en torno a la fiesta del Ramadán, que dura un mes. En particular, el "iftar", la comida al atardecer, en la que amigos y familiares se reúnen para romper el ayuno diario, puede ser un momento de encuentro entre musulmanes y no musulmanes. 

"A veces, los cristianos preparan postres y los envían a sus vecinos musulmanes", explica Jardoum. "En otras ocasiones, los musulmanes envían comida. O ayunan todos juntos. Es muy agradable compartir estas cosas", prosigue la escritora. 

Hay historias similares en otros lugares de Oriente Medio. "Una de mis amigas más antiguas y cercanas es musulmana, así que compartimos algunas costumbres", dice la egipcia Um Amir, de 50 años, residente en Assiut, ciudad al sur de El Cairo. "Por ejemplo, yo ayuno durante el día en Ramadán y luego rompo el ayuno con su familia".

"Soy cristiana, pero, desde que era joven, he tenido muchos amigos musulmanes y nunca he dado mucha importancia a las distintas religiones", explica, por su parte, la libanesa Rita, de 34 años, que también ayuna en Beirut.

¿Más Ramadán en Occidente?

Dado que las tres mujeres viven en países de mayoría musulmana, sus experiencias no sorprenden a quienes viven allí. Al fin y al cabo, es tan difícil para los no musulmanes ignorar el Ramadán como para los musulmanes evitar la Navidad en Europa o Norteamérica.

Sin embargo, el Ramadán también se está convirtiendo gradualmente en una festividad más destacada en los países de mayoría cristiana.

El año pasado, Londres se convirtió en la primera gran ciudad europea en decorar una vía pública importante con luces de Ramadán. Fráncfort del Meno siguió el ejemplo de Londreseste año, convirtiéndose en la primera gran ciudad alemana en instalar iluminación de Ramadán.

Esta semana, más de 1.000 personas se reunieron en Austria para celebrar un "iftar abierto" en el estado de Carintia, donde se invita a todos los miembros de la comunidad a romper el ayuno del Ramadán y comer juntos, aunque no sean musulmanes ni hayan ayunado. Los organizadores afirman que el acto atrae a más gente cada año.

"Sin duda, han aumentado los iftars organizados por instituciones estatales, organizaciones benéficas e iglesias para celebrar la diversidad", confirmó Esther-Miriam Wagner, directora del Instituto Woolf de la Universidad de Cambridge, que estudia las relaciones entre judíos, cristianos y musulmanes.

El mayor protagonismo del Ramadán "también tiene mucho que ver con el aumento del reconocimiento político y la igualdad de los musulmanes en el espacio público", argumenta Farid Hafez, investigador principal de Bridge Initiative, un proyecto que investiga la islamofobia con sede en la universidad Georgetown de Washington.

Acusación de apropiación cultural

Por supuesto, no todo el mundo está contento. A algunos musulmanes les molesta la comercialización del Ramadán. Clérigos conservadores argumentan que los no musulmanes no deberían participar en absoluto, mientras que los europeos de extrema derecha creen que la práctica conducirá al fin de la civilización tal y como ellos la definen. Por otro lado, algunas personalidades de las redes sociales que ayunaron durante el Ramadán, tratándolo como una especie de reto de salud, han sido denunciadas por apropiación cultural.

Pero ni Hafez ni Wagner creen que opiniones como esta compensen los beneficios de que la gente se sienta cada vez más cómoda con los sistemas de creencias de los demás. Para los musulmanes que crecen en una cultura de mayoría cristiana, puede tratarse de sentirse parte de ella. "Incorporar la fiesta al espacio público es, en cierto modo, reconocer que [el Ramadán] forma parte de la sociedad", argumentó Hafez.

Y para los no musulmanes, puede tratarse de celebrar y gestionar la diversidad, añadió Wagner. "Porque cuando tenemos sociedades diversas, vemos que la diversidad apoya realmente una sociedad próspera y vibrante, y normalmente más justa", concluyó.

(gg/ms)

Imagínatelo: Tienes 17 años y nunca has salido de casa. Tu padre y tu tío son comerciantes y han estado ausentes toda tu vida. Acaba de volver a casa y ya preparan el próximo viaje, al que esta vez tú los acompañarás. Será un recorrido de miles de kilómetros, que durará 24 años.

Nacido en Venecia en 1254, Marco Polo recorrió la Ruta de la Seda, una ruta comercial medieval que conectaba Europa con Asia, entre 1271 y 1295.

Al regresar a Italia, Polo colaboró con el escritor Rustichello da Pisa para escribir la crónica de su viaje. El libro, titulado Il Milione (El millón), conocido en español como Los viajes de Marco Polo, se convirtió en un éxito. Fue traducido a muchos idiomas y leído por todas las personas alfabetizadas de la época. Se dice que Cristóbal Colón llevaba consigo un ejemplar.

Un relato que "escandalizó" a los europeos

Polo no fue el primer europeo que viajó a la China medieval, tampoco el primero que lo documentó. Según Hyunhee Park, profesora de Historia de la City University of New York, ya en los siglos IX y X los viajeros musulmanes documentaban sus viajes a China.

Pero en una época en la que Europa estaba encerrada en sí misma, Polo fue el primer europeo en llevar información sobre China a la sociedad. Lo que dijo sobre el país asiático no encajó con las expectativas europeas.

Polo describió el Imperio Mongol como una gran civilización con grandes ciudades, explica Park: "Muchos europeos se escandalizaron. Incluso le tacharon de mentiroso".

Las descripciones de Polo se desviaban de las convenciones utilizadas por otros occidentales que informaban sobre tierras no europeas, explica Margaret Kim, profesora de la National Tsing Hua University de Taiwán. Kim también cuenta que, a diferencia de Polo, muchos viajeros europeos transmitían lecciones morales y doctrinas religiosas al escribir sobre el extranjero. Marco Polo, no. Es un escritor secular. 

La "mirada imperial"

Por otro lado, el punto de vista empleado por Polo lo diferencia de otros relatos de viajes de europeos, que estaban impulsados por un espíritu de conquista y superioridad.

Zhang Longxi, profesor de la Academia Yenching en la Universidad de Pekín, explica que las futuras descripciones de China tacharían el país asiático de "atrasado" y "estancado", lejos de la "grandeza" europea. 

En China, Polo se convirtió en una figura muy respetada en la corte de Kublai Khan. Aunque su cargo exacto sigue siendo objeto de debate, existe consenso en que era un destacado funcionario con responsabilidades diplomáticas. Por tanto, no contempló el imperio mongol como un extranjero, sino como un miembro más.

Según Kim, al pasar tantos años de su formación en Asia, Polo desarrolló una forma de pensar que no puede calificarse como occidental. Sin embargo, el ilustre viajero si tenía lo que Kim llama, una 'mirada imperial'. ¨Para él, el mundo estaba dividido entre pueblos más o menos civilizados. De modo que, para Marco Polo, o eras muy civilizado o poco civilizado o un salvaje".

Y para él, tal como señala Kim, el centro de la civilización no era el que los europeos esperaban, sino el Imperio Mongol de Kublai Khan.

Los múltiples viajes de Marco Polo

El hecho de que no exista un único manuscrito oficial y los debates sobre el rol que cumplió Rustichello en la producción del libro, ha originado diferentes opiniones de los historiadores sobre su contenido.

Las omisiones de información esperada sobre China y la supuesta falta de fuentes que la corroboraran también llevaron a algunos historiadores, como la destacada sinóloga Frances Wood, a cuestionar la autenticidad de las observaciones de Polo.

Hoy los historiadores suelen coincidir en que las principales observaciones de Polo son reales.

Marco Polo, un personaje actual

Hoy, 700 años después de su muerte, Marco Polo sigue siendo un personaje muy conocido, incluso para los no eruditos.

Para Kim, Polo demuestra que el mundo contiene cosas que van más allá de lo que imaginamos y que esto nos puede inquietar y perturbar, pero que podemos adaptarnos a ello. Por lo tanto, la 'mirada imperial' no es propia de ninguna cultura o civilización.

Según Zhang, "Marco Polo ofrece un modelo alternativo de encuentros e interrelaciones entre Oriente y Occidente muy valioso para nosotros en el mundo actual. Es un modelo de entendimiento mutuo y cooperación, en lugar de rivalidad feroz y conflicto". (mw/ms)

 

Un mural que parece representar el follaje de un árbol detrás de un tronco real, que apareció durante la madrugada del lunes en el lateral de un edificio residencial en el norte de Londres, pertenece al misterioso artista callejero Banksy, según confirmó él mismo este lunes.

El enigmático grafitero se atribuyó la autoría en un mensaje colgado en la plataforma Instagram a raíz de la ola de especulaciones suscitadas en torno al mural, ubicado en el bloque de viviendas de la calle Hornsey Road, en el barrio de Finsbury Park.

En declaraciones a medios locales, residentes de ese vecindario se mostraron hoy "orgullosos y encantados" de que el artista haya escogido su calle para exhibir su último trabajo.

Para esta obra Banksy ha escogido un tono verde brillante que parece representar las hojas de un árbol que está situado justamente al lado de ese muro.

Junto a las hojas verdes hay pintada una persona que sostiene una manguera de presión.

El color elegido es el mismo que utiliza el ayuntamiento del distrito de Islington -donde se ubica el edificio- para señalizar las calles de la zona.

Banksy normalmente confirma que se encuentra detrás de sus murales callejeros colgando mensajes en su cuenta de Instagram y en su web oficial.

Su último trabajo confirmado anterior a éste apareció el pasado diciembre, cuando dibujó drones militares en lo alto de una señal de tráfico en el barrio del sureste de Londres de Peckham.

Esa obra fue retirada menos de una hora después de que se confirmara la autoría de Banksy y dos hombres fueron posteriormente detenidos como sospechosos de robo y daño criminal.

el(efe, Banksy)

 

El cantautor Eric Carmen, quien lideró la banda de power-pop de los años 70 The Raspberries y luego tuvo grandes éxitos musicales como "All by Myself" y "Hungry Eyes" de la exitosa banda sonora de "Dirty Dancing", falleció a los 74 años. Su muerte fue anunciada en su sitio web oficial por su esposa, Amy Carmen, quien no reveló la causa y se limitó a decir que murió "mientras dormía, durante el fin de semana".

"Le alegraba mucho saber que durante décadas su música conmovió a tantas personas y será un legado duradero", dice el mensaje. Eric Carmen colocó 13 canciones en el Billboard Hot 100, incluidas tres en el Top 10.

Primeros éxitos con The Raspberries

The Raspberries, que se formaron en Cleveland, tuvieron cuatro sencillos en el Top 40, incluido el éxito del Top 5 "Go All the Way". Formados en 1970, The Raspberries hicieron cuatro álbumes para Capitol Records y eran conocidos por sus trajes a juego en un momento en que la mayoría de las bandas los habían abandonado. "Casi todas las bandas llevaban el pelo hasta la cintura, barba y jeans rotos y parecían un grupo de hippies. Yo quería alejarme lo más posible de eso", le dijo Carmen al Observer en 2017.

El segundo álbum de The Raspberries, "Fresh", lanzado en 1972, sería su disco mejor colocado, alcanzando el puesto 36 y presentando dos éxitos del Top 40, "I Wanna Be With You" y "Let's Pretend".

The Raspberries se separaron en 1975, dos años después de que diferencias creativas aceleraran las salidas del baterista Jim Bonfanti y el bajista Dave Smalley. Luego, Carmen lanzó una carrera en solitario y su debut homónimo incluyó el gran éxito "All By Myself", que vendió más de 1 millón de copias en Estados Unidos y alcanzó el número 2 en 1976.

Años más tarde, la canción vivió un segundo auge como parte de la trama de la película "El diario de Bridget Jones".

Sus otros éxitos incluyeron "Make Me Lose Control" -un éxito número 3 en el Billboard Hot 100 en 1988- y coescribió "Almost Paradise", cantada por Mike Reno y Ann Wilson, que alcanzó el puesto número 7 en 1984.

Éxito musical en "Dirty Dancing"

En 1987 obtuvo otro gran éxito cuando su grabación de "Hungry Eyes" apareció en la banda sonora de "Dirty Dancing" de 1987, alcanzando el Top 5 en el Hot 100 de Billboard e impulsando el álbum a ventas de más de 32 millones de copias.

Eric Carmen nació en Cleveland y aprendió música desde temprana edad. Tomó lecciones de violín a los 6 años y luego aprendió piano y guitarra. Estudiaba en la Universidad John Carroll cuando se integró a un grupo local llamado Cyrus Erie. Él y otro miembro de Cyrus Erie, el guitarrista Wally Bryson, unieron fuerzas con ex-miembros de una banda llamada The Choir para formar The Raspberries, combinando melodías, riffs de guitarra y baladas exuberantes.

En su día, Alemania llamó eufemísticamente "protectorados" a sus colonias, que estuvieron "bajo su posesión" desde 1884 hasta el final de la Primera Guerra Mundial. A diferencia de países como Francia, Gran Bretaña u Holanda, Alemania no era una de las superpotencias coloniales. Sin embargo, su trato a las colonias de África y Asia no fue nada escrupuloso. Así lo atestiguan los numerosos restos humanos que aún se conservan en las colecciones de museos y universidades alemanas.

En la jerga museística, a esos restos se los denomina "sujetos". Con ello se pretende expresar respeto y estima por las personas cuyos cráneos o huesos se guardan en los sótanos y almacenes de las colecciones de los museos y universidades alemanes. El término pretende minimizar la brutalidad con la que fueron saqueados durante la época colonial y llevados a Alemania.

Los colonialistas cometieron crímenes atroces

Muchos cráneos y huesos proceden de personas ejecutadas, y fueron cortados, limpiados y enviados a Alemania como trofeos. Sólo el Museo de HIstoria Médica Charité, en Berlín, tiene en sus depósitos 106 de estos "restos humanos", provenientes de África, Oceanía, Asia y Norteamérica. Cada vez son más los que se examinan de cerca en el marco de la investigación de procedencia, documentando su origen.

Entre 2011 y 2019, sin embargo, solo nueve de estas piezas fueron devueltas en el marco de dichas investigaciones, según informó el Museo de Historia Médica Charité de Berlín en respuesta a una consulta de DW. A diferencia de los museos, algunos de los cuales documentan en línea sus exposiciones de contextos coloniales, los depósitos de la Charité de Berlín siguen siendo una caja negra. "No proporcionamos ninguna fotografía a menos que sepamos de dónde proceden los restos humanos", respondió a DW Judith Hahn, una de las empleadas.

Berlín era considerada la capital de los "coleccionistas de cráneos"

Esa es precisamente la cuestión: ¿cómo llegaron los "sujetos" a Berlín? La capital alemana se convirtió en el centro de la investigación antropológica a finales del siglo XIX y principios del XX, "simplemente porque algunos de los coleccionistas más locos trabajaban aquí", afirma Andreas Eckert, africanista y profesor de la Universidad Humboldt, en una entrevista con DW. Los científicos Rudolf Virchow y Felix von Luschan examinaron los restos en Berlín con el fin de sacar conclusiones para su "ciencia de las razas".

"Había listas de pedidos; si estaba claro que alguien iba a viajar a la región, por ejemplo, al suroeste de África alemana (ahora Namibia), recibía un pedido", dice Eckert. Estos pedidos eran similares a una lista de la compra para el supermercado, con cantidades concretas. Los cráneos eran las partes del cuerpo más solicitadas", explica el experto.

Los científicos alemanes querían utilizar el tamaño de la cabeza para demostrar que las personas de origen no europeo pertenecían a una "raza" inferior. No solo África, sino también otros continentes no europeos, se consideraban "terra nullius", tierra de nadie. Esta abstrusa idea de África como continente sin historia surgió en el siglo XVII con el inicio de la esclavitud, y apenas cambió con el paso de las décadas. Incluso un gran escritor alemán como el poeta Friedrich Wilhelm Schiller habló en términos generales de zonas "incivilizadas" fuera de Europa, en su discurso inaugural de la Universidad de Jena, en 1789.

El africanista Andreas Eckert no es el único que sospecha que hay muchos más restos humanos en las instituciones alemanas: "Se calcula que hay unas 20.000 osamentas. A esos se suman los que han quedado enterrados en el camino con el paso del tiempo. Así es posible imaginar la enorme cantidad de estos huesos que fueron traídos aquí, a Alemania, en un período de tiempo relativamente corto". Además de la dificultad de determinar la procedencia exacta de los restos humanos, hay otro problema, dice Andeas Eckert. "En algunas regiones del mundo, hay gente que se queja y dice: 'Ahora quieren deshacerse de esto, pero, en realidad, nosotros no necesariamente lo queremos'". Algunos incluso temen que con las osamentas regrese algún "mal espíritu", una reminiscencia de aquellos oscuros días de la época colonial.

(gg/cp)

El director alemán Wim Wenders representa a Japón con el drama "Días perfectos" (Perfect Days), que compite en la categoría de "mejor película extranjera" frente a la alemana "La sala de profesores" (Das Lehrerzimmer), de su compatriota İlker Çatak.

Ambas películas han recibido ya numerosos premios. "La sala de profesores" ganó en cinco categorías en los Premios del Cine Alemán 2023. El drama incluso le arrebató el premio Lola de Oro a una aclamada película alemana, "Sin novedad en el frente".

Con "Días perfectos", el actor principal, Koji Yakusho, recibió el premio al mejor actor principal en el Festival de Cannes, mientras que el director, Wim Wenders, fue distinguido con el premio del Jurado Ecuménico.

En la categoría de "mejor película extranjera", 88 países presentaron candidaturas; de estas, cinco son preseleccionadas y luego la película ganadora es elegida en la ceremonia de entrega de los Oscar, este 10 de marzo.

El microcosmos escolar y un lipiador de baños

"La sala de profesores" narra la historia de una joven profesora (Leonie Benesch) quien se mete cada vez más en un dilema moral. Quiere resolver una serie de robos en la escuela donde que trabaja e infiltra a escondidas una cámara en la sala de profesores.

La película muestra de forma intensa la dinámica que puede surgir entre las personas y, sin duda, puede leerse como un comentario sobre la sociedad actual, más preocupada por la indignación que por el entendimiento mutuo.

Por otro lado, "Días perfectos" se desarrolla en Tokio y cuenta la historia de un hombre llamado Hirayama (Koji Yakusho), quien trabaja como limpiador de baños y parece estar satisfecho con su vida sencilla. El personaje disfruta los pequeños momentos del día a día.

La película destaca por la actuación del legendario actor japones y sus compañeros de reparto, así como por un excelente uso de la música, que incluye la canción que da nombre a la película, "Perfect Day" de Lou Reed.

La película de Wenders, candidata japonesa al Oscar

"Días perfectos" compite por Japón, porque Wenders la rodó no solo con un reparto y un coguionista japoneses, sino que también tuvo financiación japonesa.

"Qué honor poder representar al país de Yasujiro Ozu, Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi y tantos otros grandes", dijo Wenders, refiriéndose a famosos directores japoneses.

En septiembre de 2023, Wenders ganó el premio del Gremio Alemán de Cine Artístico a la mejor película extranjera por "Días perfectos". Esto significa que está "bien equipado para representar los colores japoneses en la carrera por el Oscar", dice el propio Wenders. "Pero soy muy consciente de que en realidad sólo estoy allí como acompañante de mi maravilloso actor Koji Yakusho".

Yakusho obtuvo mucha fama con papeles televisivos y más tarde interpretó papeles cada vez más importantes en el mundo del cine.

Apreciación mutua

Çatak ya estaba muy feliz de figurar entre las 15 películas preseleccionadas para el premio Oscar a mejor película extranjera: "Esto significa muchísimo para todo nuestro equipo", declaró a la agencia alemana de prensa dpa. "Esperamos que la película llegue ahora a aún más gente y llame así la atención sobre el trabajo de los profesores en todo el mundo, a menudo infravalorado".

El encuentro de dos directores alemanes nominados a este premio en los Oscar es un caso excepcional. En septiembre, Wenders y Çatak ya acudieron con sus películas al Festival de Cine de Telluride, en el estado norteamericano de Colorado.

Çatak se entusiasmó con el encuentro con su "ídolo". Él creció con las películas de Wenders y ahora ambos se felicitaban mutuamente por sus éxitos.

Otras películas con participación alemana en la competencia

Mientras Çatak celebra su primera nominación, Wim Wenders ya ha sido nominado al Oscar en tres ocasiones: en 2000, con el documental sobre músicos cubanos "Buena Vista Social Club"; en 2012, con la película de danza en 3D "Pina", sobre Pina Bausch; y, en 2015, con el documental "La sal de la tierra", sobre el fotógrafo brasileño Sebastião Salgado.

Al final, sin embargo, el director, que lleva décadas cosechando éxitos internacionales, siempre se ha ido de los Oscar con las manos vacías.

Los dos directores de cine alemanes se encontrarán además en los Oscar con la actriz Sandra Hüller. Las dos películas protagonizadas por Hüller fueron también grandes triunfadoras en el Festival de Cannes, donde "Anatomía de un caso" ganó la Palma de Oro y "Zona de interés" el Gran Premio del Jurado, el segundo en importancia del festival.

La entrega de los Oscar está prevista para el 10 de marzo de 2024.

(mw/rml)

La repentina muerte del reservado e influyente dibujante Akira Toriyama ha causado conmoción por ser una figura clave para numerosos artistas que terminaron moldeados por el irresistible atractivo de su estilo personal plasmado en 'Dragon Ball', uno de los mangas y animes más exitosos a nivel global.

Fallecido el pasado día 1 a los 68 años, y nacido el 5 de abril de 1955, en la localidad de Kiyosu, en el centro de Japón, Toriyama trabajó en una agencia de publicidad en la limítrofe Nagoya antes de decidir que la vida de oficinista japonés no era para él, y que iba a volcar su carrera en el manga.

La chispa que diera origen a 'Dragon Ball'

Tras llamar la atención del mítico editor Kazuhiko Torishima con sus primeros trabajos de 1977 'Awawa World' y 'Misterious Rain Jack' (una parodia de la mítica 'Star Wars'), Toriyama debutaría en 1978 con 'Wonder Island' en las páginas de la revista Shonen Jump, a la que se mantendría vinculado durante toda su carrera.

Su primer gran éxito llegaría con la serialización de 'Dr. Slump', las disparatadas aventuras del científico e inventor Senbei Norimaki y su creación, Arale, un robot con la apariencia de una niña de 10 años, que se publicaría entre 1980 y 1984.

Mientras se encontraba trabajando en este éxito, Toriyama crearía 'Dragon Boy' (1983), una historia corta de dos capítulos que sirvió como prototipo para varios de los personajes que protagonizarían la obra que lo lanzó a la fama mundial, y se ha convertido probablemente en el manga más conocido de todos los tiempos, 'Dragon Ball'.

Su obra más mítica se publicaría entre 1984 y 1995, dando lugar a una transgresora serie de animación que revolucionaría el consumo y el rumbo de la industria, y a numerosas obras y series posteriores, entre ellas las actualmente en publicación 'Dragon Ball Heroes' y 'Dragon Ball Super', en la que estaba trabajando, haciéndose cargo del guión, junto a su discípulo Toyotaro (dibujo).

"Empecé a dibujar manga para que el maestro Toriyama me elogiara. Lo era todo para mí", ha escrito su pupilo en redes tras el anuncio.

Multifacético

Además del manga y el anime, Toriyama trabajó asiduamente en la industria de los videojuegos. Corrió a cargo del diseño de personajes y monstruos de importantes títulos como 'Dragon Quest' o 'Chrono Trigger', y el próximo abril está previsto el lanzamiento del título 'Sand Land', inspirado en su obra homónima de 2000.

"Akira Toriyama era el Osamu Tezuka de su época, un narrador proteico con un don singular para combinar acción y aventura con empatía", dice a EFE el periodista, escritor y profesor asociado de la Universidad de Waseda Roland Kelts, que destaca: "Fue un artista pionero en unir manga, anime y videojuegos".

Kelts, autor de libros como 'Japanamérica: Cómo la cultura pop japonesa conquistó Occidente' (Odaiba Ediciones, 2020), considera que es imposible sobrestimar el impacto que Toriyama ha tenido en la audiencia global de la cultura pop japonesa.

"'Dragon Ball' fue la primera franquicia del manga con licencia oficial, traducido y publicado fuera de Japón, allá por 1992, a través de un acuerdo amistoso entre dos mujeres, Chigusa Ogino, de Shueisha (editorial de la Shonen Jump) y Montse Samon, de Planeta", relata el académico, que lamenta: "Al igual que Tezuka, Toriyama murió inesperadamente y demasiado joven".

Incluso el Gobierno japonés ha dedicado unas palabras a la muerte del autor. "Gracias a sus obras, los contenidos japoneses han sido reconocidos ampliamente en el mundo y creo que ha sido una de las causas del aumento de turistas. Reconocemos que ha jugado un papel importante para mostrar la potencia cultural del país", dijo en rueda de prensa el portavoz gubernamental, Yoshimasa Hayashi.

ee (efe, afp)

La estrella alemana Sandra Hüller, de 45 años, parecía haber llegado a la recta final de su carrera de actuación, hasta que fue nominada a un premio Oscar como mejor actriz protagónica, por su trabajo en la película francesa "Anatomía de una caída" (Anatomie d'une chute).

Hollywood la tiene en la mira. La cinta francesa que protagoniza está nominada a su vez a mejor película, como la coproducción británico-polaca-estadounidense "Zona de Interés" (The Zone of Interest), en la que Hüller también interpreta un papel protagónico.

En octubre de 2023, Sandra Hüller formó parte de la portada de la revista estadounidense Hollywood Reporter, algo inusual para una actriz alemana, pero justificado. Hüller está cada vez más cerca de ser una estrella internacional.

Fue nominada recientemente a un Globo de Oro en la categoría de "mejor actriz de drama cinematográfico", que finalmente ganó la estadounidense Lily Gladstone, por su papel en "Los asesinos de la Luna" (Killers of the Flower Moon).

Antes, Sandra Hüller fue la estrella indiscutible de la última edición de los Premios de Cine Europeo (EFA), equivalentes de los Oscar en el Viejo Continente. Llegó como favorita, nominada dos veces: por su protagónico en "Anatomía de una caída", dirigida por Justin Trites, y por su rol como esposa del comandante de Auschwitz Rudolf Höß en "Zona de Interés", de Jonathan Glazer.

Durante la entrega de estos premios, el pasado 9 de diciembre, al ser llamada al escenario, solicitó un breve instante de silencio al público para pedir por la paz mundial.

Ganadora en Cannes y candidata al Oscar

Este año, ambas películas triunfaron en el Festival de Cannes. "Anatomía de una caída" ganó una Palma de Oro, la distinción más alta otorgada por este festival, y "Zona de interés", se llevó el Gran Premio del Jurado, el segundo en importancia del certamen.

La actriz alemana también fue protagonista en los premios César del cine francés. "Anatomía de una caída" se llevó seis galardones, entre los que se incluyó el reconocimiento como mejor actriz para Hüller.

Las nominaciones y los premios parecen no tener pausa. En diciembre, Sandra Hüller también recibió un premio de Los Angeles Film Critics Association (LAFCA) en Estados Unidos, por su trabajo en las dos películas candidatas a los Oscar.

De Alemania Oriental, a los Alpes y Auschwitz

Nacida el 30 de abril de 1978, Hüller creció en la pequeña localidad rural de Friedrichroda, en el estado de Turingia, en la entonces Alemania Oriental. Un profesor inspirador y un curso de teatro hicieron que Sandra llegase a Berlín, donde fue aceptada en la Academia de Arte Dramático Ernst Busch. Se graduó en 2003 y ese mismo año fue elegida mejor actriz prometedora en una encuesta de la revista Theater Heute.

Su talento quedó demostrado en su debut cinematográfico, "Requiem" (2006), de Hans Christian Schmidt, que le valió el Oso de Plata a la mejor actriz en la Berlinale de ese año, por su interpretación de una joven de familia católica devota que considera sus ataques epilépticos y sus rebeldes ideas como un signo de posesión demoníaca.

Sin embargo, su éxito internacional no llegó hasta una década después, con su papel protagónico en "Toni Erdmann" (2016), el filme de Maren Ade que también fue nominado al Oscar en su momento. Pero las películas nominadas en las que ahora participa Sandra Hüller son completamente diferentes.

"Anatomía de una caída" es un drama jurídico. Un thriller intelectual sobre una exitosa escritora alemana (Hüller) que vive en un remoto chalé en los Alpes franceses y que podría haber matado a su marido francés. O quizás no.

En "Zona de interés", Hüller interpreta a Hedwig Höß, la esposa de Rudolf Höß, el comandante que más tiempo estuvo en el campo de concentración de Auschwitz.

Enfoque diferente: un "Gran Hermano en una casa nazi"

El director de la cinta comentó que, al principio, Sandra temía interpretar un personaje así. Hasta esta película, siempre se había negado a interpretar este tipo de papeles. El director británico la convenció de que su película sería diferente. Y lo es.

"Zona de interés" es una adaptación cinematográfica de la obra literaria del escritor Martin Amis. La película es diferente a otros dramas sobre el Holocausto, ya que nunca se muestran directamente las atrocidades cometidas en Auschwitz.

La película se desarrolla como un drama familiar, en el cual vemos a Rudolf y Hedwig Höß teniendo una vida relativamente normal. Fuera de vista, pero al alcance del oído, con sonidos de ecos de disparos y gritos de dolor, se transmite la masacre de Auschwitz.

Glazer reconstruyó la casa de la familia Höß en Auschwitz e instaló cámaras de vigilancia para filmar a los actores en sus escenas. A este método lo denominó como "Gran Hermano en una casa nazi". Y, con él, rompió los estereotipos y reglas de las películas que tocan el Holocausto. 

Queda por ver si Hollywood también honrará a esta actriz con un Oscar el próximo 10 de marzo.

(mw/rml)

Desde lo alto del noveno piso, Sasha Korban observa su obra, todavía en proceso de producción, y suspira: "En los últimos dos años, no puedo decir que hayamos tenido la oportunidad de bailar y pasar el tiempo de una manera tan alegre como esta bailarina, pero incluso en medio de la  guerra, tenemos que encontrar algunos aspectos positivos en la vida", dice el artista y grafitero ucraniano de 37 años.

Korban tuvo que abandonar hace diez años la pequeña ciudad de Kirovske, donde trabajaba en una mina de carbón, cuando paramilitares respaldados por Rusia tomaron la sede de la ciudad, en nombre de la autoproclamada República Popular de Donetsk, en el este de Ucrania. Desde 2022, Rusia ha anexionado parcialmente ese territorio.

"Para nosotros, la guerra comenzó en 2014, no sólo en Donetsk, sino en Ucrania entera", dice Korban, que desde entonces vive en la capital, Kiev. "Tuve que dejar mi ciudad y mudarme, y desde hace diez años no puedo volver allí", lamenta el artista, que se hizo conocido mundialmente por el mural "Milana", pintado en 2018 en Mariúpol. La obra retrata a Milana Abdurashytova, una niña de tres años que perdió a su madre en un ataque con misiles rusos.

Este miércoles (5.03.2024) el artista presentó la obra The Exchange (El intercambio), creada en sociedad con el brasileño Eduardo Kobra, a pedido del Instituto Ucraniano, ligado al Gobierno de Kiev, que desde el inicio del conflicto a gran escala busca difundir la cultura ucraniana en el mundo. Desde el 27 de febrero, los artistas trabajan en el mural, localizado en la Avenida Pedroso de Morais, en el oeste de la capital paulista.

Entre curvas y colores de caleidoscopio

De un lado, una bailarina típica de Ucrania, con su traje tradicional, facciones serenas y manos expresivas, pintada en tonos suaves. Del otro, colores caleidoscópicos que son el sello del muralista brasileño, con sus manos rehaciendo un jarrón con los colores de la bandera ucraniana.

"Hice una investigación sobre la historia de Ucrania y vi esa pieza típica que está en varias casas ucranianas: un jarrón que representa al país, y coloqué los colores de Ucrania sobre el trabajo del alfarero", explica Eduardo Kobra. "El alfarero es aquel que trabaja, que construye el jarrón, y estas cuatro manos que están ahí representan al pueblo ucraniano, que está allí con su resiliencia, reconstruyendo este jarrón que hoy está agrietado, destrozado", señala.

Para el artista brasileño, todas las guerras que ocurren hoy en el mundo son injustificables, debido al gigantesco número de muertes, tanto de civiles como de militares. "He estado llevando estos llamamientos a través de la obra, hablando de paz, de tolerancia, de respeto, de convivencia. Al final de cuentas, la gente ve tantas guerras en el mundo en nombre de Dios", critica.

"Y ahora, Sasha viene de Ucrania con esta autorización especial del Gobierno; es un honor estar con él aquí pintando; me contó historias difíciles, algunas historias pesadas de amigos, de familiares que murieron, y creo que estamos aquí luchando también, pero de otra manera", afirma.

Pinceles como armas

Desde el 24 de febrero de 2022, cuando las tropas rusas invadieron Ucrania, a los hombres de 18 a 60 años se les prohibió salir del país en virtud de una ley marcial, que está en vigor desde entonces. Las actividades como artista, con trabajos para apoyar a niños huérfanos en la región de Zaporiyia, han permitido hasta ahora Korban permaneciera lejos del frente, y que pudiera salir ahora de Ucrania por un tiempo.

Durante una semana, Korban pretende trabajar en el mural. Parte del importe que recibirá por la obra será donado a acciones con soldados mutilados por el conflicto. "Tuve una adolescencia dura, mi madre murió cuando yo tenía 15 años, mi hermano mayor, en prisión, y el arte me salvó mientras trabajaba en las minas", dice, riéndose hoy de la poca atención que le prestaban entonces sus compañeros mineros, que se compraban coches, mientras él compraba pinceles.

"Perdí a mis padres cuando era adolescente y entiendo los sentimientos de estos niños que perdieron a sus seres queridos; yo mismo tuve un amigo que murió en la fábrica donde trabajaba, que fue atacada en 2022", lamenta.

El arte que lo salvó en su adolescencia le abre hoy las puertas para que una obra suya, de aproximadamente 300 metros cuadrados, esté presente en la ciudad más grande del hemisferio sur. El mural, inaugurado el miércoles y en el cual Korban trabajará hasta el sábado, es la primera iniciativa de este tipo del Instituto Ucraniano en Brasil.

Desastre humanitario y ambiental

Según el último informe del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Derechos Humanos, 10.582 civiles fueron asesinados en Ucrania en los últimos dos años. La región más afectada es precisamente el antiguo hogar del grafitero. Además de las víctimas, Ucrania ya ha perdido a más del 15 por ciento de su población, personas que emigraron como refugiados, la gran mayoría, a países europeos.

Además de las vidas que se perdieron, el impacto de la guerra en el medioambiente también ha sido enorme. Millones de hectáreas se convirtieron en campos minados de proyectiles y sustancias tóxicas. La ruptura de la represa de Nova Kajovka, en el río Dnipro, inundó y volvió improductivas a millones de otras hectáreas en el sur del país, afectando el abastecimiento de agua.

Para el director general del Instituto Ucraniano, Alim Aliev, el impacto ambiental de la guerra todavía es un tema poco abordado. "Los daños medioambientales se estiman en cerca de 50.000 millones de euros", afirma, destacando que hay proyectos de colaboración con otros países para recuperar la flora y la fauna del país.

(cp/ers)

El retrato de Diana de Gales que hizo Andy Warhol, de fondo azul al igual que los ojos y el anillo de zafiro de la difunta princesa, será subastado el 7 de marzo por la casa Phillips de Londres en una jornada dedicada al arte moderno y contemporáneo.

Para hacer este famoso retrato, Warhol se inspiró en la instantánea oficial que el fotógrafo Lord Snowdon -exmarido de la princesa Margarita, hermana de la reina Isabel II- le tomó a la princesa en 1981 tras su compromiso con el ahora rey Carlos III, por entonces príncipe de Gales y heredero al trono británico.

El artista estadounidense creó hasta tres diferentes ejemplos más: uno en rosa, otro en violeta y el tercero en verde.

Warhol (1928-1987) en aquel entonces experimentaba con sus serigrafías, y "en esta pintura también introduce algo de color para resaltar ciertos aspectos de la princesa Diana" como sus joyas o bordes de su vestido, explicó a EFE Rossana Vidén, experta en arte contemporáneo de la casa Phillips.

Creador de retratos famosos

El cian prominente de su mirada, a juego con el zafiro de su mano de pedida, destaca el fondo que el célebre pintor eligió en esta ocasión.

Dada la capacidad de Warhol para captar sentimientos, como lo hizo con retratos a Marilyn Monroe o Jackie Kennedy, Vidén confesó que quizá el artista "se dio cuenta de que iba a ser un súper icono".

La experta dijo que tal vez Warhol "eligió el color azul porque, en la historia del arte, siempre se ha utilizado para representar a la Virgen María o retratados importantes."

"Quizá tuvo una corazonada, o definitivamente sabía en qué celebridad e icono se iba a convertir. Quizá por ello eligió retratarla en un momento tan temprano en su carrera”, agregó.

El retrato, con un precio de salida de 1,8 millones de libras (2,1 millones de euros) forma parte de una subasta de obras del siglo XX, de más de treinta títulos, entre ellos de Renoir y la sudí Alia Ahmad.

EL(EFE )

El Gobierno de México inaugura este miércoles el Gran Museo de Chichén Itzá, el primero de dicho sitio arqueológico, con 2.800 metros cuadrados en donde se exhibirán 1.000 piezas, incluyendo algunas encontradas durante la construcción del Tren Maya, y una nueva mirada a esta civilización indígena.

"Será el primer museo formal de Chichén Itzá y representará la importancia que tiene la ciudad en el contexto mesoamericano”, explicó José Osorio León, director del sitio arqueológico, en una entrevista con EFE.

El Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) construyó el recinto a unos kilómetros de la milenaria ciudad del sureste mexicano, patrimonio de la humanidad y una de las siete maravillas del mundo moderno.

Ahí habrá unos 1.000 objetos precolombinos en siete salas y áreas interactivas, expuso Osorio León.

"Vamos a presentar piezas monumentales, como el Chaac Mool (una misteriosa cultura mesoamericana) y La Mesa de los Cautivos que se encontró en la serie inicial de Chichén Viejo, así como otros artefactos de la cultura maya que se exhibieron en museos de varias partes del mundo”, adelantó.

El sitio arqueológico más visitado

El director del INAH, Diego Prieto, destacó que tras la apertura del museo, Chichén Itzá espera recibir este año un récord de más de 3 millones de visitantes, un promedio de 8.000 al día, con lo que se consolida como el sitio arqueológico más visitado de América.

"Hoy es un gran día para la arqueología mexicana, es un gran día también para la cultura maya de México y de Mesoamérica en el presente", expresó Prieto en la conferencia matutina del presidente, Andrés Manuel López Obrador.

El arqueólogo Osorio León, quien es investigador del sitio desde 1995, aseveró que el visitante quedará "cautivo" con el nuevo museo que se construyó como parte del proyecto Tren Maya, la magna obra de López Obrador para el sureste mexicano.

"Habrá también diversos elementos escultóricos y vasijas distribuidos en las salas de acuerdo con su volumen, tamaño, importancia y los más representativos de Chichén Itzá, el sitio que alcanzó su máximo apogeo en el 900 al 1.200 d.C. (Clásico tardío terminal)”, explicó.

El experto sostuvo que el nuevo museo ampliará el disfrute de la zona arqueológica de Chichén Itzá, en cuyo Cenote Sagrado aún hay ceremonias mayas.

"Ya pasaron más de 800 siglos desde que los mayas abandonaron la ciudad, pero aún sigue llegando gente a realizar ceremonias durante los eventos arqueoastronómicos que se registran en Chichén Itzá, principalmente ante el Castillo de Kukulcán y el Cenote Sagrado”, precisó.

Piezas inéditas tras un trabajo de décadas

Osorio León consideró "un orgullo" tener un recinto "con piezas que se encontraron durante las investigaciones y excavaciones realizadas en los últimos 30 años en el sitio, que cuenta con 13 complejos habitaciones".

Entre los artefactos que se exhibirán al público por primera vez en Yucatán, destaca el Chaac Mool, escultura característica de Chichén Itzá encontrada en La Plaza de las Mil Columnas, que pertenece al palacio de las columnas esculpidas.

El Chaac Mool tiene dos piezas: el cuerpo flexionado al frente y la cabeza que se embona en el cuello a través de una oquedad, y cuenta con elementos policrómonos, collares, orejeas y brazaletes pintados en color turquesa.

"Seguimos investigando la función del Chaac Mool, ya que se puede tratar de un elemento de los altares por la comunicación directa que tenía entre la parte terrenal y los dioses”, manifestó.

Osorio León dijo que también se exhibirá La Mesa de los Cautivos que se halló hace años en el Chichén Viejo, uno de los 13 complejos habitacionales a unos kilómetros del Castillo de Kukulcán.

La mesa de piedra, que se encontró reutilizada como acera dentro de La Casa de los Caracoles en Chichén Viejo, mide 1,66 metros de largo por 1,27 de ancho y una antigüedad que va del 900 al 100 d.C.

EL(EFE)

 

El presidente francés Emmanuel Macron prometió grandes cosas la noche del incendio para tranquilizar a la conmocionada nación. Macron aseguró entonces que la renovación y reconstrucción del malogrado edificio en cinco años iba a ser un proyecto nacional. Desde entonces, las obras de la iglesia gótica episcopal Notre-Dame de Paris van a toda marcha.

El jefe de obra nombrado por Macron, el exgeneral Jean-Louis Georgelin, ya auguraba grandes avances hace un año. "Gracias a una planificación rigurosa, estamos seguros y decididos a reabrir la catedral de París al culto y al público en diciembre de 2024", dijo Georgelin en una entrevista con el grupo periodístico Ouest-France.

¿Un cortocircuito o un cigarrillo?

Han pasado exactamente cinco años desde el catastrófico incendio. El histórico edificio, situado en el centro de París, quedó parcialmente destruido. 

Los bomberos de París lucharon por cuatro horas hasta que lograron contener el fuego en la armadura de madera del tejado. 

Hoy en día, sigue sin estar claro si el incendio fue provocado por un cortocircuito o por el cigarrillo de un trabajador de la construcción.

El alcance de la destrucción no fue tan grande como se temía en un principio.  "Gracias a Dios, no todas las bóvedas se derrumbaron", resume la experta alemana en catedrales Barbara Schock-Werner, en entrevista con DW. Sólo tres se vinieron abajo. Había un enorme agujero en la zona del coro. La Madonna gótica, sin embargo, permaneció intacta, aunque la torre del crucero situada junto a ella se derrumbó. "Ese es el milagro de Notre Dame", afirma Schock-Werner.

Restauración de ventanas en Colonia

Las imágenes de la catedral en llamas dieron la vuelta al mundo. Causaron conmoción y una ola de solidaridad.  

Solo los donantes franceses prometieron 850 millones de euros. Pero el dinero y la colaboración también vinieron de Alemania. Schock-Werner, antigua maestra de obras de la catedral de Colonia, asumió la coordinación de la ayuda alemana.

Por ejemplo, la Sociedad de Construcción de la Catedral de Colonia restauró cuatro vidrieras gravemente dañadas por las llamas y el calor. Las ventanas restauradas regresaron a París en el verano de 2023.

Un hallazgo sensacional tras el incendio

A pesar de lo dramático del incendio, un descubrimiento realizado por investigadores franceses en el lugar del siniestro fue sensacional: unas abrazaderas de hierro mantienen unidas las piedras del edificio. 

La datación y los análisis metalúrgicos revelaron que estos refuerzos de hierro datan de la primera fase de construcción de la iglesia, en el siglo XII. Esto convierte a Notre-Dame, probablemente, en el edificio eclesiástico más antiguo del mundo con tales refuerzos de hierro. 

Pero lo más importante es que también se resolvió el misterio de por qué la construcción de la nave pudo alcanzar esa altura.

Cuando comenzó a construirse en 1163, Notre-Dame, con su nave de más de 32 metros de altura, pronto se convirtió en el edificio más alto de la época, gracias a una combinación de refinamiento arquitectónico. 

Además de las estructuras de piedra y madera, las catedrales posteriores también se reforzaron con hierro. Esto les dio estabilidad.

Reconstrucción a la antigua usanza

Para reconstruir el entramado medieval del tejado hubo que talar 2.000 robles. Para convertir los troncos en vigas, los artesanos recibieron hachas especiales con la fachada de la catedral grabada en la hoja. 

La reconstrucción de Notre-Dame suscitó incluso un debate arquitectónico. La aguja quemada, que marca la intersección del crucero y la nave, fue cuestión de debate. 

Los partidarios de una versión moderna, por ejemplo, de acero y cristal, e iluminada desde el interior, no pudieron imponerse. Otras ideas tampoco tuvieron posibilidades, como explicó el arquitecto jefe Philippe Villeneuve a la página alemana de noticias Der Spiegel. 

 "Sabía que cuanto más locos fueran los diseños, mayores serían las posibilidades de una reconstrucción fiel", dijo Villeneuve.

Finalmente, una comisión nacional de expertos se pronunció por unanimidad a favor de una reconstrucción histórica. 

Los trabajos se centrarán en los próximos meses en la electricidad, la protección contra incendios, el sistema de calefacción y, por último, el mobiliario. Los franceses esperan con impaciencia el 8 de diciembre de 2024, día en que "Nuestra Señora de París" volverá a abrir sus puertas a todos, creyentes y no creyentes. (mw/rr)